Глава 2 Творчество русских композиторов первой половины XIX века

Для России XIX век стал эпохой формирования национальной классической музыки. В предшествующем столетии высокого уровня развития достигла лишь хоровая духовная музыка в творчестве Дм.Ст. Бортнянского, который сумел выработать чисто русские приемы хорового письма.

Русская оркестровая и оперная музыка сложилась лишь в XIX веке. Разумеется, и в XVIII веке композиторы с русскими фамилиями сочиняли для придворных празднеств концерты, симфонии и увертюры. Но это были итальянские концерты, итальянские симфонии, итальянские увертюры. Русские композиторы становились носителями той музыкальной культуры, где получали профессиональное музыкальное образование. Приходилось говорить на чужом музыкальном языке, чтобы создать свой.

Перед русскими композиторами первой половины XIX века стояла историческая задача преодолеть влияние западноевропейского классицизма, усвоив при этом все его достижения в области техники музыкального сочинительства. Композиторы стремились сохранить свое оригинальное “выражение лица”. Путь для этого был лишь один, через приобщение к национальному фольклору.

Исторически сложилось так, что в XIX веке только в России народная песня еще сохранилась как выражение национального характера и национальной музыкальности. Западная же музыкальная культура к тому времени оказалась давно уже нивелированной, то есть усредненной. Никакого серьезного влияния на творчество наиболее известных западных композиторов XIX века франко-немецко-австрийский песенный фольклор не оказал.

На русской сцене начала XIX века по-прежнему преобладали традиционно бытовые комические оперы с лубочными сюжетами, слащаво-идиллическими крестьянами в духе западноевропейских “поселян и поселянок” и примитивно комическими главными действующими лицами.

В России XIX века появляются оперы-сказки. Это были оперы-феерии с большим количеством превращений, сценических эффектов, волшебных полетов через всю сцену, громов и молний.

Первой такой оперой была “Леста, днепровская русалка” - опера в четырех частях с музыкой С. Давыдова - выпускника Придворной певческой капеллы в Петербурге. Эта опера пользовалась огромной популярностью у зрителей. Сразу же после нее на сценах различных театров появляются многочисленные “князи-неведимки”, “Ильи-богатыри” и “жар-птицы”.

Наряду с тремя основными сценическими жанрами - драмой, оперой и балетом - видное место занимали и “смешанные жанры”, объединяющие различные виды театрального искусства. Большой популярностью пользовались мелодрамы, живые картины, пантомимы, интермедии, водевили.

Наиболее близки традиционным сценическим жанрам “трагедия на музыке” и водевиль. По тематике это были два противоположных жанра: возвышенные “омузыкаленные” трагедии продолжили линию трагических мелодрам XVIII века (Е. Фомин “Орфей”). Оркестровая музыка служила в трагедии основным средством воплощения драматургического конфликта. Наиболее значительными оркестровыми фрагментами были увертюра и симфонические антракты. В начале XIX века эту линию театральной музыки продолжил О. Козловский (1757-1881). Его музыка к трагедиям В. Озерова, Я. Княжина, П. Катенина и других продолжила линию в русском театре, начатую мелодрамой “Орфей” Фомина. Козловский сумел приблизить жанр “трагедии на музыке” к опере. Его программные увертюры и антракты подготовили почву для расцвета русского программного симфонизма второй половины XIX века. Известность Козловский получил, создав полонез “Гром победы раздавайся” на слова Г. Державина (1791) по случаю взятия Измаила.

Водевилем называется легкая комедия с пением и танцами. Разговорные диалоги чередовались в водевиле с музыкальными и танцевальными номерами. Родина водевиля - Франция. На русской сцене его родоначальниками считаются драматург А. Шахов и композитор А. Кавос. Изначально водевиль был достаточно наивным развлекательным одноактным представлением. Постепенно в водевиль проникают элементы сатиры и острой злободневности. По музыке водевиль 20-х годов приближается к обычному типу комических опер. Такие водевили сочиняли А. Алябьев и А. Верстовский.

В 1802 году в Петербурге было основано Филармоническое общество. В концертные программы включались произведения лучших западноевропейских композиторов. Даргомыжский в одном из частных писем напишет: “Музыкальность в Петербурге растет, как красавицы в русских сказках, не по дням, а по часам.

Музыка все более прочно входит в быт мелкопоместного дворянства, чиновников, мещан. Становятся повсеместно распространенными инструменты фортепиано, скрипка, гитара, арфа. Основой репертуара по-прежнему была русская народная песня то в виде вариаций, то в виде сольных песен или дуэтов с сопровождением. В такой обстановке складывалась и развивалась вокальная лирика - самый распространенный музыкальный жанр доглинкинской эпохи. Под воздействием городского фольклора в обществе происходит становление нового жанра - русского бытового романса. Просвещенные любители музыки искали способы соединения отечественной поэзии с музыкой в “русском духе”. Именно в жанре бытового романса происходит формирование языка и стиля русской классической музыки. Среди композиторов этого жанра следует особо отметить Александра Александровича Алябьева, автора романсов “Зимняя дорога” на стихи А. Пушкина, “Соловей” на стихи А. Дельвига, Александра Егоровича Варламова, автора популярных романсов “Красный сарафан”, “Вдоль по улице метелица метет”, “Белеет парус одинокий”, Александра Львовича Гурилева, автора романсов “Матушка-голубушка”, “Колокольчик”, “Вам не понять моей печали”. Этим авторам удалось существенно обогатить язык и стиль русской музыки в доглинкинсткую эпоху.

В жизни России первой половины XIX века было два основных события, определивших во многом пути развития русского искусства: это Отечественная война 1812 года и восстание декабристов в 1825 году. Первое вызвало в искусстве поиск нового героя - человека из народа и во многом определило демократическую направленность творчества лучших поэтов и композиторов, а второе вызвало движение национального искусства в сторону романтизма, сосуществовавшего в России с классицизмом и сентиментализмом. Так соединение классицистских и романтических основ творчества определило своеобразие русской поэзии и музыки в первой половине XIX века. Все сказанное в первую очередь касается творчества двух гениальных представителей молодой русской культуры - А.С. Пушкина и М.И. Глинки. Личность и творчество Пушкина наложили глубокий отпечаток на всю русскую музыку XIX века. На его сюжеты написаны лучшие русские классические оперы “Руслан и Людмила” М. Глинки, “Русалка” А. Даргомыжского, “Борис Годунов” М. Мусоргского, “Сказка о царе Салтане” и “Золотой петушок” Н. Римского-Корсакова. Лирические стихотворения Пушкина стали основой русского классического романса.

Пушкин создал классический русский литературный язык, подав этим пример Глинке - создателю классического национального стиля в музыке.

Михаил Иванович Глинка (1804-1857)

Сейчас в России, пожалуй, каждый знает, что Глинка - основоположник русской классической музыки, что своей оперой “Иван Сусанин” он воспел подвиг русского народа в войне с поляками.

Величие Глинки не было скрыто и от его современников. Вот какими словами давал оценку Глинке известный художественный критик В.В. Стасов: “Во многих отношениях Глинка имеет в русской музыке такое же значение, как Пушкин в русской поэзии. Оба великие таланты, оба - родоначальники нового русского художественного творчества, оба - глубоко национальные, черпавшие свои силы прямо из коренных элементов своего народа, оба создали новый русский язык - один в поэзии, другой - в музыке”.

Глинка был весьма образованным человеком, знал европейские языки, следил за творчеством европейских композиторов. Глинка был профессионалом в полном смысле этого слова. Свою “домашнюю консерваторию” он прошел под руководством немецкого музыканта-теоретика Зигфрида Дена, у которого периодически брал частные уроки композиции.

Огромное влияние на Глинку как профессионального композитора оказало русское народное искусство. Глинка говорил: “Создает музыку народ, а мы, художники, только ее аранжируем”.

Многие события и факты из жизни Глинки нам известны “из первых рук”. В 1854 году Глинка по просьбе своей сестры Л.И. Шестаковой собственноручно написал “Летопись своей музыкальной жизни”. Для широкой аудитории “Записки” Глинки стали доступны лишь спустя четырнадцать лет после смерти композитора, когда вышло первое издание книги. Вот как начинается эта увлекательнейшая литературная автобиография великого композитора:

“Я родился 1804 года, мая 20 утром, на заре, в селе Новоспасском, принадлежавшем родителю моему, капитану в отставке Ивану Николаевичу Глинке. Имение находится в 20 верстах от города Ельни Смоленской губернии; оно расположено по реке Десне и окружено непроходимыми Брянскими лесами. Вскоре по рождении моем матушка моя Евгенья Андреевна принуждена была отдать меня на первоначальное воспитание бабке моей Фёкле Александровне. С нею, кормилицею и няней я провел около четырех лет, встречаясь с родителями весьма редко. Я был ребенком слабого сложения, весьма золотушного и нервного расположения. Бабушка баловала меня до невероятной степени; несмотря на это, я был ребенком кротким и добронравным...”

* * *

Первым сильнейшим музыкальным впечатлением, открывшем Глинке глаза на его жизненное предназначение, было знакомство в 11 лет с домашним оркестром его дяди. С этого момента Глинка вполне осознает, что “музыка - его душа”.

В 13 лет родители отвезли сына в Петербург и определили в Благородный пансион при Главном педагогическом институте. Уровень преподавания в пансионе был очень высоким. Глинка отлично учился, во время обучения в пансионе брал частные уроки музыки у известного композитора и пианиста Джона Филда.

Сразу же по окончании учебы Глинка отправляется на кавказские минеральные воды, чтобы поправить здоровье. Возвратившись в Петербург, он поступает помощником секретаря в канцелярию министерства путей сообщения. Глинку особенно устраивал тот факт, что в присутствии надо было находиться не более 5 часов в день, а все остальное время он мог предаваться музыке.

Молодой Глинка часто встречался с А. Пушкиным, А. Жуковским, А. Грибоедовым. Это был цвет русской литературы, люди высокой культуры и широкого кругозора. В общении с ними окреп талант Глинки.

Известен один любопытный факт сотрудничества Пушкина, Грибоедова и Глинки. Грибоедов как-то сообщил Глинке записанную им грузинскую песню: Глинка написал к ней в 1828 году фортепианный аккомпанемент, а Пушкин сочинил к мелодии слова. В результате получился знаменитый роман “Не пой, красавица, при мне”.

В Петербурге Глинка получает известность в обществе как автор превосходных романсов “Не искушай меня без нужды” на стихи Е. Баратынского, “Память сердца” на стихи К. Батюшкова, романса “Скажи, зачем?” на стихи князя С. Голицына. Глинка принимает участие в любительских концертах как пианист и певец (Глинка обладал прекрасным тенором).

Глинка был свидетелем декабрьского восстания на Дворцовой площади и лишь случайность увела его из толпы присутствующих, когда начался расстрел восставших.

В 1830 году Глинка отправился за границу. Он побывал в крупнейших музыкальных центрах Европы - Милане, Неаполе, Вене, Венеции, встречался с выдающимися композиторами того времени - Беллини, Донецетти, Мендельсоном, Берлиозом. В Берлине Глинка начал занятия по теории музыки с З. Деном. Полученные знания существенно помогли Глинке в поисках собственного оригинального композиторского стиля.

Глинка все отчетливее понимал, что путь русской классической музыки, по сравнению с западной, должен быть иным. В “Записках” Глинка вполне отчетливо сформулировал коренное отличие национального русского характера от всех европейских: “Мы, жители Севера, чувствуем иначе, впечатления или нас вовсе не трогают, или глубоко западают в душу. У нас или неистовая веселость, или горькие слезы. Любовь у нас всегда соединена с грустью. Нет сомнения, что наша русская заунывная песня есть дитя Севера, а может быть, несколько передана нам жителями Востока, их песни тоже заунывны...”

Время, проведенное за границей, привело Глинку к мысли сделать решительный шаг в своем творчестве. “Мысль о национальной музыке (не говорю еще оперной) более и более прояснялась”, - отмечает Глинка в “Записках”.

Заграничное путешествие кончилось вместе с известием о смерти отца. В 1834 году Глинка возвращается в Россию с твердым намерением сочинить русскую оперу.

* * *

По приезде в Петербург Глинка часто бывал у В.А. Жуковского, который и предложил ему для оперы сюжет о подвиге Ивана Сусанина. Особенно взволновала композитора сцена Сусанина с поляками в лесу. Он находил в ней много оригинального и характерного для русских. Встал вопрос о либреттисте будущей оперы. Жуковский решил посоветоваться с царем. Мысль об опере в “народном духе” существовала и у самого императора Николая I, который в разговоре по этому поводу с Жуковским указал на В. Розена, как на человека, который мог бы выполнить подобное дело... “Он хоть и немец, - сказал император, - но хорошо владеет русским языком, ему довериться можно”. Вот почему Жуковский предложил именно Розена, а не кого другого Глинке в сотрудники. Сам барон вовсе и не думал попасть в либреттисты.

Все эти переговоры происходили в период, когда значительная часть музыки будущей оперы уже была сочинена прежде слов. Представляя себе готовый план оперы, Глинка сочинял большие музыкальные куски раньше, чем были готовы слова для них. Розену приходилось лишь подтекстовывать уже готовую музыку, следуя указаниям Глинки. Этим объясняется неровность и шероховатость его литературного стиля. Серьезный поэт за такое дело никогда не взялся бы.

К началу сочинения оперы “Иван Сусанин” относится знакомство Глинки с А.С. Даргомыжским, на которого позже выпадет историческая роль “связующего звена” между реалистическими традициями Глинки и творчеством молодых композиторов “Могучей кучки”.

Для Глинки сочинение оперы совпало с женитьбой на Марье Петровне Ивановой, дальней родственнице композитора. Брак обещал быть счастливым, но жизнь показала иное. В 1839 году супруги разъехались, а официальный развод был получен лишь в 1846 году, что сделало затруднительным второй брак Глинки с Екатериной Ермолаевной Керн - дочерью Анны Петровны Керн, которой Пушкин посвятил знаменитое стихотворение “Я помню чудное мгновенье”. Классический романс на эти стихи Глинка посвятил её дочери Екатерине Ермолаевне.

Но до всех этих событий было еще далеко. Пока что молодая семья жила в Новоспасском, где Глинка с большим воодушевлением заканчивал свою оперу. Премьера состоялась в 1836 году в Петербурге. Император Николай I разрешил посвятить оперу себе, и Глинка переименовал “Ивана Сусанина” в “Жизнь за царя”.

Краткое содержание оперы в 4-х действиях с эпилогом.

В основу сюжета оперы положено историческое событие - патриотический подвиг крестьянина села Домнино Костромской губернии Ивана Осиповича Сусанина, совершенный им в начале 1613 года. Москва к тому времени была уже освобождена от поляков, но отряды захватчиков еще бродили по Руси. Чтобы помешать полному освобождению страны войском под предводительством Минина и Пожарского, один из таких “диверсионных” отрядов хотел захватить в плен только что избранного русского царя Михаила Федоровича Романова, находившегося вместе с матерью неподалеку от села Домнина в Ипатьевском монастыре. Поляки не знали дороги через непроходимые леса и решили сделать своим проводником Сусанина. Однако тот завел захватчиков в самые глухие непроходимые места погубив их. Сусанин погиб и сам, но спас молодого царя - символ тогдашней русской национальной государственности.

Этот патриотический подвиг был художественно разработан в поэтической думе “Иван Сусанин” поэтом-декабристом К. Рылеевым. Композиционный план своей будущей оперы Глинка во многом заимствовал из этого поэтического произведения.

Драматургия оперы предельно ясна. Первый акт - экспозиция русского лагеря и введение в действие. Второй акт - контрэкспозиция, то есть характеристика лагеря польской шляхты. В финале этого акта - завязка действия - решение польского короля Сигизмунда II выступить в военный поход против новоизбранного царя Михаила Романова. Третий акт - развитие сквозного сюжетного действия: мирное семейное счастье Сусаниных сменяется неожиданными драматическими событиями. Четвертый акт, первая картина: попытка спасти Сусанина, когда приемный сын Ваня перед воротами монастыря будит русских ратников и вторая картина - сцена в лесу, последний и решающий поединок Сусанина с поляками. Эпилог оперы - картина торжества русского народа.

Лагерь русских людей (силы действия) охарактеризованы в опере очень многообразно и разнопланово, а лагерь поляков - достаточно статично, лишенным действия образом. Они все - лишь неуемно горделивые завоеватели. Блестящие танцы: мазурка, полонез, вальс, краковяк - вот их музыкальная характеристика. В следующих двух актах эти два музыкальных пласта оперы активно взаимодействуют. Во второй картине 4 действия музыка русского лагеря получает мощное выражение в знаменитой арии Сусанина “Ты взойдешь, моя заря”, а от былого блеска польской мазурки не остается и следа. Так в специфически музыкальной форме композитор дал итог драматического конфликта оперы. Все это было невиданным и неслыханным в русской музыке до Глинки.

Из всего многообразия чувств русского народа Глинка выделяет главное - патриотизм. В развитии этого чувства, как побудительного к действию мотива, Глинка и утверждает основную идею оперы.

В своей опере М. Глинка резко повысил драматургическую роль хора. Именно хор, олицетворяющий на сцене великий русский народ, становится одним из главных действующих лиц оперы. После Глинки это стала традицией практически для всех русских оперных композиторов.

Финальный хор оперы представляет собой величественный апофеоз русской народной мощи, равного которому нет ни у одной оперы в мире. Подобное решение можно найти в финале 9-ой симфонии Бетховена.

Премьера оперы состоялась в декабре 1836 года в Большом театре в Петербурге. Театр был переполнен. Среди прочих зрителей был и А.С. Пушкин. Опера была с восторгом принята передовой частью русского общества.

Формально первой русской историко-патриотической оперой была опера К. Кавоса на либретто А. Шаховского “Иван Сусанин”. Однако по типу драматургии и образному строю опера Кавоса не возвышается над уровнем обычных жанрово-бытовых опер того времени. Трактовка героического сюжета в опере наивна и сентиментальна. Даже трагическая развязка оперы преодолевается “счастливой случайностью”: в миг, когда поляки заносят меч головой Сусанина, в лесу появляется русский отряд, спасающий героя. Опера заканчивается хором:

Пусть злодей страшится

И грустит весь век,

Должен веселиться

Русский человек.

Нужен был гений Глинки, его чувство сценической правды, чтобы придать подвигу героя подлинную трагедийность, сделать этого крестьянина живым, узнаваемым из зала человеком, а не оперно-условным поселянином. Знаменитый хоровой финал оперы Глинки явился для того времени художественным открытием, поставившим оперного русского композитора в один ряд с самыми известными западноевропейцами.

“Эпилог спектакля, представляющий ликование народа в Кремле, поразил меня самого. Успех оперы был совершенный, я был в чаду и теперь решительно не помню, что происходило, когда опустился занавес”, - позже вспоминал Глинка в “Записках”.

Аристократы оперу “Иван Сусанин” сначала долго презирали, не находя в ней ничего, кроме “мужицкой музыки”. Однако сам характер сюжета и милостивая реакция императора заставили злые языки замолчать до поры до времени.

До оперы “Жизнь за царя” Глинку даже образованная публика считала композитором, стоящим на одном уровне с Варламовым, Гурилевым, авторами популярных в то время сентиментальных романсов. Премьера же оперы поставила имя Глинки в один ряд с самыми величайшими оперными композиторами Европы.

“Жизнь за царя” - первая русская опера, в которой не было ничего подражательного западным образцам. Её национальная принадлежность узнается слухом сразу же и безоговорочно.

В скором времени Глинка получил за оперу императорский подарок: перстень в 4000 рублей и хорошо оплачиваемое место капельмейстера в придворной Певческой капелле.

* * *

Идея новой оперы на сюжет поэмы “Руслан и Людмила” возникла у композитора еще при жизни Пушкина. Сам поэт, хорошо знавший творчество композитора, предлагал сделать план либретто. Осуществиться намерению помешала безвременная смерть Пушкина.

Глинка первым из русских композиторов, создавая крупное произведение, обратился к Пушкину. После Глинки это стало традицией в русской музыке. Вслед за “Русланом” появляются “Русалка” и “Каменный гость” Даргомыжского, “Борис Годунов” Мусоргского, “Моцарт и Сальери”, “Сказка о царе Салтане” и “Золотой петушок” Римского-Корсакова, “Евгений Онегин”, “Мазепа”, “Пиковая дама” Чайковского, “Алеко” и “Скупой рыцарь” Рахманинова и многие другие сценические произведения на сюжеты А.С. Пушкина.

Краткое содержание оперы “Руслан и Людмила”.

Киевский князь Светозар выдает свою дочь Людмилу за храброго витязя Руслана. Вещий певец Баян предупреждает юную чету о предстоящих бедствиях и испытаниях, но предсказывает и их благополучный исход.

Людмила прощается с отцом, подругами, ласково утешает отвергнутых ею женихов: хазарского хана Ратмира и варяжского рыцаря Фарлафа.

Внезапно раздается удар грома, наступает мрак. При блеске молний Людмила исчезает. Светозар обещает отдать Людмилу в супруги тому, кто найдет похищенную дочь. Руслан, Ратмир и Фарлаф отправляются на поиски Людмилы.

В своих странствиях Руслан добирается до пещеры мудрого волшебника Финна. Финн называет Руслану имя похитителя Людмилы - злого волшебника Черномора и указывает путь к нему, предсказывая победу над чародеем.

Финн рассказывает Руслану историю своей любви к прекрасной Наине. Много лет назад гордая красавица отвергла его. Несчастная любовь побудила Финна постичь тайны природы и овладеть силой колдовства. С помощью магических заклинаний он внушает Наине любовь, но при их свидании оказывается, что Наина за это время превратилась в дряхлую и злую старуху. Придя в ужас от этих перемен, Финн отказывается от своей любви. Но поздно. Отвергнутое чувство побуждает Наину преследовать своего несостоявшегося любовника и мстить ему. Финн предупреждает Руслана о кознях злой волшебницы и обещает помочь. Полный надежд Руслан отправляется на дальнейшие поиски.

Ищет Людмилу и трусливый Фарлаф. Неожиданно перед ним появляется страшная старуха. Эта злая волшебница Наина. Она обещает ему помочь победить Руслана и освободить Людмилу. Фарлаф счастлив. Он предвкушает близкую победу.

Поиски приводят Руслана на пустынное поле, усеянное мертвыми костями. Перед витязем возникают очертания огромной Головы. Она начинает дуть навстречу витязю. Поднимается буря. Пораженная копьем Руслана, Голова откатывается, и под ней Руслан видит чудесный меч.

Перед смертью Голова рассказывает Руслану свою историю. Когда-то он был великаном, а брат его, Черномор, - карликом. Карлик хитростью одолел брата и, отрубив ему голову, заставил ее стеречь волшебный меч. Отдавая меч Руслану, Голова просит отомстить злому Черномору.

Наина старается отвратить от поисков Людмилы хазарского князя Ратмира. Подвластные ей волшебные девы зазывают Ратмира в замок. Наина заманивает туда и Гориславу - молодую пленницу гарема Ратмира. Но Ратмир не замечает её. В волшебный замок Наина заманивает и Руслана. И его очаровывают своими плясками девы. Внезапно появляется Финн и мановением жезла разрушает волшебный призрачный замок. Освобожденные от чар герои вновь устремляются на поиски Людмилы.

Волшебный сад Черномора. Людмила тоскует в неволе. Она хочет броситься в озеро - жизнь в плену не нужна ей, но озеро превращается в прекрасный луг, а луг - в волшебный шатер.

Под звуки знаменитого марша Черномора рабы вносят на носилках карлика с огромной бородой. Начинаются танцы. Внезапно раздается звук рога. Руслан вызывает Черномора на бой. Погрузив Людмилу в волшебный сон, Черномор отправляется на поединок. В схватке с Черномором Руслан волшебным мечом отсекает ему бороду, в которой таилась вся сила злодея.

В сопровождении Ратмира и Гориславы Руслан вместе со спящей Людмилой отправляется обратно в Киев, но по пути Наина и Фарлаф вновь похищают Людмилу.

Фарлаф привозит спящую Людмилу в Киев и выдает себя за ее спасателя. Светозар просит разбудить Людмилу, но Фарлаф бессилен. Появляется Руслан и тотчас же пробуждает Людмилу волшебным перстнем Финна. Фарлаф в страхе скрывается.

Ликующие киевляне славят мужество и силу храбрых, добро и любовь, победившие коварство и злобу.

* * *

Сочинять эту оперу Глинка начал не имея четкого сценарного плана. Отдельные номера и сцены рождались по сиюминутному вдохновению, без последовательной связи между собой. В текст оперы вошли некоторые фрагменты поэмы Пушкина, но в целом он был написан заново. Шутливая юношеская поэма в конечном итоге превратилась в большое сказочно-эпическое действо со значительными мыслями и философскими обобщениями.

Легендарные образы Киевской Руси сопоставлены в опере с миром фантастических образов. Вокальные партии князя Светозара, его дочери Людмилы, витязя Руслана насыщены песенными интонациями, тогда как партии злых волшебников или вовсе лишены вокальной характеристики (Черномор) или решены в речитативной манере (Наина).

В опере большое количество народных хоровых сцен. Действие в опере развивается неторопливо, напоминая древние былины и сказания.

Огромную роль в создании образов оперных героев играет оркестр. Это и знаменитая увертюра, и сцена похищения Людмилы, и танцы волшебных дев в замке Наины, и сцены в садах Черномора. К оркестровым эпизодам оперы относятся также четыре музыкальных антракта-вступления ко второму, третьему, четвертому и пятому действиям.

Одним из наиболее известных номеров этой оперы является увертюра. Это солнечная, жизнерадостная музыка обобщенно выражает основной характер оперы: победу добра над злом, торжество света над мраком. Увертюра является высочайшим образцом русской симфонической музыки и часто исполняется как самостоятельное произведение.

Опера “Руслан и Людмила” открыла в русской музыке новое сказочно-эпическое направление. Многое из найденного Глинкой в этой опере было в дальнейшем развито следующим поколением композиторов. Танцевальные сцены “Руслана”, как и “Ивана Сусанина”, подготовили реформу в области балетной музыки П.И. Чайковского.

Первое представление “Руслана и Людмилы” состоялось в 1842 году (ровно через 6 лет после постановки “Ивана Сусанина”). Особого успеха у публики она не имела, что объясняется не слабостью музыки, а просчетами в построении сценического действия. Император и его семья демонстративно покинули зал до окончания представления и тем спровоцировали приговор всей великосветской черни: “Опера не удалась”.

Официальная музыкальная критика отыскивала в опере реальные и мнимые недостатки и злорадствовала. Если “Жизнь за царя” была ограждена от них патриотическим характером сюжета, то “Руслан” такой защиты не имел и недоброжелателям Глинки был открыт “зеленый свет”. Стасов позже назвал оперу Глинки “Руслан и Людмила” “художественной мученицей на сцене”.

* * *

Мрачная атмосфера времени правления Николая I вынудила композитора “искать отдохновения” в чужих краях. Композитор писал родным: “Увезите меня подальше отсюда - в этой гадкой стране я уже достаточно всего натерпелся, с меня довольно! Им удалось отнять у меня все, даже святой восторг перед моим искусством - мое последнее прибежище”.

Неурядицы в личной жизни и уход со службы заставили Глинку прервать прежние связи, избегать прежних знакомств в артистическом мире. Глинка оказался как бы в вакууме.

В следующем году в Петербурге усилиями высшего света был открыт постоянно действующий театр итальянской оперы, и Глинка почувствовал себя в России лишним. Он стал собираться за границу, куда и отправился летом 1844 года. Незадолго до отъезда он познакомился со знаменитым европейским композитором и пианистом Ференцем Листом, приехавшим в Россию на гастроли. Лист сразу же оценил музыкальные красоты новой оперы Глинки, а позже сделал фортепианную транскрипцию марша Черномора.

Около года Глинка живет в Париже, а затем отправляется в Испанию. Произведения Глинки исполнялись в парижских концертах. Глинка был первым из русских композиторов, познакомившим парижскую публику с произведениями, написанными в России и для России.

В Испании Глинка пробыл два года. Там он в совершенстве изучил испанский язык и музыкальный фольклор страны. Несколько позже впечатления от этой поездки получили свое художественное воплощение в двух “испанских” увертюрах: “Арагонская хота” и “Ночь в Мадриде”. Сам Глинка называл свои испанские увертюры “живописными фантазиями”.

Свою третью симфоническую увертюру-фантазию “Камаринская” Глинка сочинил за границей, в Варшаве. Эта симфоническая фантазия на темы двух русских песен: свадебной лирической “Из-за гор, гор высоких” и бойкой плясовой “Камаринская” - явилась новым словом в истории русской музыки. По общему мнению русских композиторов, эти три увертюры положили начало отечественной симфонической музыке.

Позже, в 1856 году, Глинка написал еще одну замечательную пьесу для оркестра “Вальс-фантазия”, подготовившую появление поэтичных симфонических вальсов П.И. Чайковского.

* * *

Последние шесть лет Глинка попеременно живет то в Петербурге, то за границей. В Петербурге он жил в одной квартире со своей старшей сестрой Людмилой Ивановной Шестакавой, с которой был очень дружен. Сестра окружила его вниманием и заботой. Впоследствии она стала хранительницей музыкального наследия Глинки, участвовала в издании его сочинений и поддерживала молодых композиторов балакиревского кружка - наследников глинкинских традиций.

По пятницам в доме Глинки собиралась талантливая музыкальная молодежь. С особой теплотой относился Глинка к М. Балакиреву - молодому, начинающему музыканту, приехавшему в столицу в 1855 году. Глинка видел в Балакиреве своего преемника и руководил его первыми опытами композиции.

В последние годы Глинка почти перестал сочинять. В России он себя чувствовал неуютно. Его самого и его творчество игнорировали. “Руслан” давно был снят с репертуара, “Жизнь за царя” давали два-три раза в год. Все это оскорбляло Глинку и возбуждало в нем чувство озлобленности. Наконец он не выдержал и 25 апреля 1856 года уехал из России, выразив на прощание пожелание никогда более ее не видеть. К несчастью, пожелание это исполнилось.

Прожив некоторое время в Берлине, Глинка серьезно простужается и 3 февраля 1857 года умирает. Сначала наш великий композитор был похоронен в Берлине, однако потом, по просьбе его сестры Л.И. Шестаковой, последовало распоряжение императора о переносе праха в Россию, в Петербург, где он и был захоронен в Пантеоне Александро-Невской лавры.

* * *

Музыкальный стиль Глинки - явление историческое для русской музыки, он - целая эпоха в ней. Творчеству Глинки были присущи демократичность, национальная самобытность и высочайшее художественное мастерство. Музыка Глинки безошибочно узнается по таким качествам, как краткость, простота, классическая соразмерность частей и целого, пластичность художественных деталей, ведущая роль мелодии среди прочих выразительных средств, особенный “русский дух” его сочинений, задушевность и доверительность высказывания, лишенная какой бы то ни было слащавой сентиментальности...

Взяв за основу своего творчества народную музыку и выведя гармонию из мелодического склада русской песни, Глинка создал национальный русский музыкальный стиль. Он сумел связать “узами законного брака” русскую песню и западноевропейскую полифонию. Глинка сумел адаптировать к национальному музыкальному стилю все европейские музыкальные формы и способы композиции. Он сам открыл много новых путей в музыке для своих последователей.

В своих операх Глинка дал музыкально-сценическое воплощение картин русской истории и былинного эпоса, сумел отобразить самые существенные черты народного характера и народной жизни. Глинка первым из русских композиторов наделил оперу чертами сквозного симфонического развития. Его оперы - музыкально-драматические произведения с единым тематическим замыслом и монолитной формой.

Глинка был одним из тех гениев, которым при жизни ставят монументы. Наследниками Глинки являются, по существу, все крупные русские композиторы последующего времени.

П.И. Чайковский называл Глинку “отцом русской музыки”.