Глава 8 Музыка хх века. Индивидуализация композиторских стилей

XX век унаследовал от XIX века великие оперные спектакли Верди, Чайковского, Мусоргского, Бизе, Римского-Корсакова, гениальные симфонии венских классиков, Берлиоза и Листа, музыку балетов Адана, Пуни, Чайковского, камерную инструментальную музыку романтиков, бесконечное разнообразие национальных мелодий, ритмов, инструментальных красок европейских музыкальных школ, появившихся в XIX веке в Европе.

Великие музыканты XIX века боролись за утверждение высоких идеалов правды и человечности. И хотя каждый из социальных переворотов в тогдашней Европе заканчивался глубоким разочарованием в результатах борьбы, именно в XIX веке музыкальное искусство окончательно доказало свою принципиальную способность участвовать в социальной борьбе. Вспомним творчество великого Бетховена, открывшего, вернее, выстрадавшего эту тему в искусстве для последующих поколений.

Чем ближе становился конец XIX века, тем напряженней и полярней становились настроения в художественных кругах тогдашней Европы.

В сфере музыкального искусства особую остроту приобрела борьба традиционалистов с новаторами. Практически каждый из известных ныне классических композиторов появлялся на музыкальной арене как ниспровергатель старых традиций и композиционных правил, как яркий новатор в области музыкального языка. Это вызывало яростные нападки реакционной критики, порождало серьезные материальные проблемы, заставляло композиторов порой ценой собственной жизни утверждать новые пути в музыкальном искусстве.

К концу ХIX века музыка утрачивает былую стилистическую однородность. Одновременно творили композиторы классики, романтики, реалисты, импрессионисты и экспрессионисты. Порой черты этих различных стилей были присущи творчеству одного и того же композитора.

Такая полистилистика эпохи стала возможной благодаря широкому развитию концертной деятельности и нотопечатанию, сохранившим музыкальные шедевры предшествующих эпох.

Другая причина видится в том, что более чем за шестисотлетнюю историю своего развития профессиональная музыка накопила такую критическую массу сочинений, которая стала побуждать профессионально образованного композитора добиваться оригинальности любым путем, создавая свой микрокосмос и выдавая его за результат мирового прогресса в музыкальном искусстве. Музыкальный процесс стал неоднородным, многослойным и субъективно направляемым.

* * *

Первым из новых стилистических направлений в постромантическую эпоху следует признать импрессионизм. Его возникновение относят к последней четверти XIX века. В 1874 году в Париже состоялась выставка художников во главе с Эдуардом Мане. В группу входил Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега и др. Эти художники, пристально наблюдая за действием солнечного света в природе, пришли к мысли не смешивать на палитре краски тонов солнечного спектра, а класть их на картине очень близко одну к другой. Эти красочные точки, складываясь, должны были вызывать у зрителя не четкие очертания предмета, но как бы его легкую вибрацию сквозь свето-воздушную среду. Среди картин выставки была картина К. Моне “Впечатление от восхода солнца”. Она дала название целому художественному направлению.

Основоположником музыкального импрессионизма стал французский композитор, пианист и дирижерКлод Дебюсси (1862-1918).

Дебюсси учился в парижской консерватории, которую окончил с Большой Римской премией. Профессора упрекали молодого лауреата в преувеличенном чувстве музыкального колорита, в умышленном стремлении сделать что-то странное и непонятное, с их точки зрения. Все это приписывалось пагубному влиянию импрессионизма. В глазах членов академии музыки импрессионизм считался синонимом разрушительного искусства, оскорбляющего здравый смысл. Позже сам Дебюсси писал: “Я пытаюсь найти новые реальности, а дураки называют это импрессионизмом”. По мере того, как импрессионистическая живопись приобретала все больше сторонников, этот эпитет стали употреблять в положительном смысле. Произведения Дебюсси стали называть “музыкальной живописью”.

Импрессионизм изменил тематику музыкального искусства: исчезли великие мифологические сюжеты, любовь, страстные человеческие отношения, но появились темы пленэра в различное время суток, тема дерева, дождя, солнца, неизвестной фигуры, моря. Импрессионисты исключали из своих творений человека, одухотворяя вместо этого неодушевленную природу. Музыка импрессионистов - это звучащий воздух, напоенный экзотическими ароматами. Это не свет, но светотени, не цвет, но блики, не предмет, но очертания.

Изменилось соотношение музыкальных жанров. Развитые многочастные симфонии ушли. Их место заняли симфонические эскизы-зарисовки. Сочинения продолжительностью более 115 минут - большая редкость для этого стиля.

В основе творческого метода импрессионистов лежало стремление к фиксации мимолетных, едва уловимых впечатлений от объекта изображения и полное безразличие к социальным проблемам. Из их музыки исчезли протяженные темы-мелодии. Вместо них появился мелодический арабеск - кружевной, узорчатый мелодический рисунок, с трудом поддающийся воспроизведению голосом. Иногда роль тематического зерна выполняют загадочные мотивы и колористические пятна, звуковые резонансы, блики пяти-семи звучных аккордов. Ритмика в импрессионистических музыкальных произведениях очень зыбкая и трудноуловимая. Метрическая пульсация размыта. Импрессионистическая музыка осязаема для слуха, но неуловима для голоса.

Дебюсси ввел в европейскую музыку новые гармонические краски и оркестровый колорит. Он дал новую концепцию музыкального времени, показав эстетическую ценность каждого звучащего мгновения. Его произведения можно назвать “музыкальными моментами” начала XX века.

Если говорить о его музыке грамматическими терминами, то можно сказать, что “существительные” преобладают над “глаголами”, а “прилагательные” развертываются бесконечной гаммой оттенков, окрашивая, затуманивая и освещая контуры его “безглагольных” построений. В музыкальном мышлении композитора созерцательность явно преобладала над действенностью, статика над динамикой. Все силы его таланта были направлены на отображение в музыке тончайших проявлений прекрасного.

В 90-х годах Дебюсси тесно сошелся с художниками-импрессионистами и поэтами-символистами. В эти годы начался расцвет его творческой деятельности. Композитор создал ряд произведений, принесших ему мировое признание. Эталонными произведениями стиля импрессионизма являются симфоническая прелюдия “Послеполуденный отдых фавна”, сюита “Ноктюрны”, трехчастная симфония “Море”.

“Послеполуденный отдых фавна” написан на основе поэмы Стефана Малларме - идейного вождя символистов - в 1882 году. В прелюдии, как и в поэме Малларме, нет ни развитого сюжета, ни его динамичного развития. В основе сочинения лежит мелодический образ томления фавна, грезящего в знойный день о прекрасный нимфах. “Ползучие” хроматические интонации темы фавна Дебюсси облек в необычный инструментальный тембр флейты в низком регистре. Дебюсси избегает интенсивного, как у Бетховена, развития тематического материала, приводящего к его качественной трансформации. Музыкальное развитие у Дебюсси часто сводится к смене ракурса, точки зрения на статично-картинный образ. Кульминации достигаются средствами тембра и общим уплотнением фактуры.

В трехчастной симфонии “Море” композитор изобразил то умиротворенную, то бушующую стихию. Поэтичны и необычны названия частей: “На море от зари до полудня”, “Игра волн”, “Диалог ветра и моря”.

Завершением всего творческого пути Дебюсси следует считать две тетради прелюдий для фортепиано. В них сконцентрированы самые характерные и типичные черты стиля композитора. Цикл завершил развитие этого жанра в западно-европейской музыке: были прелюдии Баха, Шопена и Дебюсси. Названия некоторых прелюдий звучат как поэзия: “Что видел западный ветер”, “Феи - восхитительные танцовщицы”, “Звуки и запахи реют в вечернем воздухе”, “Терраса, освещенная лунным светом”, “Девушка с волосами цвета льна”.

Практически вся музыка Дебюсси программна. Программность эта не сюжетного, а картинно-изобразительного типа. Чаще всего она сводится к названиям, возбуждающим фантазию и слушателя, и музыканта-исполнителя.

Эти названия всегда условны. Они - лишь повод для чисто музыкального самовыражения автора. Сочинения Дебюсси, как бы они ни назывались, чтобы ни изображали - это, прежде всего, он сам, его прекрасная душа. Человек - это стиль, говорят французы. В полной мере это можно отнести и к Дебюсси.

На развитие импрессионизма серьезное влияние оказали “Русские сезоны” в антрепризе С. Дягилева, открывшие искушенно парижской публике русскую музыку. Парижанам она показалась весьма экзотической и “в духе времени”.

Дебюсси испытывал особую привязанность к России и ее музыке. Он многократно посещал Москву и Петербург, преклонялся перед музыкальным гением Мусоргского, Римского-Корсакова, Чайковского. Композитора связывала личная дружба с И. Стравинским, выдающимся балетмейстером Михаилом Фокиным и Сергеем Дягилевым, неутомимым пропагандистом русского искусства в Париже.

На балетной сцене импрессионизм появился главным образом в “свободном танце”, отвергавшем завершенные танцевальные формы. А. Дункан (гениальная “босоножка”) своим творчеством отстаивала идею “раскрепощенного тела” и интуитивного истолкования музыки без каких-либо композиционных и танцевальных норм.

Русский балетмейстер М. Фокин также стремился в духе времени сблизить импрессионизм с балетной сценой. В 1912 году он поставил одноактный балет на музыку К. Дебюсси “Прелюдия к полуполуденному отдыху фавна” для труппы С. Дягилева. Опыты М. Фокина в этом направлении убедительно доказали, что стремление к пластической достоверности в передаче сиюминутных впечатлений неизбежно приводит к умалению роли сценарной драматургии и измельчению тематики. На смену балетному спектаклю все чаще стала приходить танцевальная миниатюра. Импрессионизм достаточно быстро исчерпал свои возможности в танце.

Дебюсси не пережил созданного им музыкального направления. Многим оно представлялось прекрасным цветком без корней в классицизме, не принесшим семян для будущего. Авангардисты начала века усматривали в нем своего предтечу, сумевшего освободить красоту звучания в чистом виде.

К началу XX века музыкальный импрессионизм распространился за пределы Франции. В Испании его последователем стал Мануэль де Фалья, в Италии - Оттарино Респиги, в Польше - Кароль Шимановский.

В русской музыкальной культуре черты импрессионизма свойственны музыке А. Скрябина. Заметны черты импрессионизма и в балетах молодого И. Стравинского (“Жар-птица”, “Петрушка”, “Весна священная”).

Музыкальный импрессионизм на рубеже веков свидетельствовал о противостоянии части художественной интеллигенции процессу урбанизации, прагматизму обыденной жизни, закрепощению чувств.

Импрессионисты доказывали, что мир состоит не только из социальных проблем и потрясений, из драматической прозы человеческого существования, но и из человеческого духа, из мира прекрасных мгновений.

У импрессионистов “прекрасное мгновение” стало предметом художественного переживания. Выявить и усилить звучание этого мгновения, чтобы вечно жить в нем - вот суть импрессионистического искусства.

В истории музыкальной культуры импрессионизм остался одним из опытов звуковой живописи и иллюстрацией принципиальных возможностей музыкального искусства в целом.

* * *

Со стилем импрессионизма связывают творчество еще одного французского композитора - Мориса Равеля (1875-1937). Порой его даже представляют прямым продолжателем творчества Дебюсси. Действительно, музыкальная юность Равеля проходила в годы, когда имя Дебюсси и его музыка были известны практически всем.

Еще в годы ученичества Равель приходит к мысли, что истинного мастера от прочих отличает предельная экономия выразительных средств. “Ни одной лишней или необязательной ноты” - вот его творческое кредо.

Равель понимал, что импрессионизм привлекателен, но он не является магистральным путем развития музыкального искусства. Он, как истинный француз, исповедовал здравый смысл в сочинении самых чувственных музыкальных композиций. Романтизм, импрессионизм - не его стихия.

Первый успех приходит к Равелю в 1908 году вместе с “Испанской рапсодией”. Рапсодия состоит из четырех частей: “Прелюдия к ночи”, “Малагуэнья”, “Хабанера”, “Празднество”. Эта рапсодия - одна из вершин творчества Равеля. (Мать Равеля была испанкой. От нее он унаследовал любовь к испанской музыке).

Равеля очень интересовало творчество русских композиторов. “Колокола” из “Бориса Годунова” М. Мусоргского, балакеревский “Исламей”, “Половецкие пляски” из “Князя Игоря”” А. Бородина и “Шехеразада” Н. Римского-Корсакова - вот некоторые из шедевров русской музыки, оказавших существенное влияние на формирование музыкального стиля Равеля.

Среди приятелей Равеля было немало русских музыкантов. Это И. Стравинский, С. Дягилев, В. Нижинский, Ида Рубинштейн, Михаил Фокин. Именно Фокину принадлежит идея создания балета на античную тему “Дафнис и Хлоя”. Равель назвал свой балет “хореографической симфонией в трех частях”. Премьера балета состоялась в июне 1912 года в Париже в исполнении труппы Русского балета. Художником спектакля был Лев Бакст (1866-1924). Главные роли исполняли Тамара Карсавина и Вацлав Нижинский.

Эта премьера еще больше сблизила Равеля с русским искусством. В 1912 году он оркеструет фортепианный цикл М. Мусоргского “Картинки с выставки”. Эта партитура стала одной из самых выдающихся симфонических партитур XX века.

Творчество М. Равеля у массового слушателя ассоциируется с пьесой “Болеро” (1928). Сочинена она по заказу солистки балетной труппы Дягилева Иды Рубинштейн, заказавшей композитору “Испанскую танцевальную сцену” для солирующей танцовщицы (т.е. для себя) и группы балетных кавалеров. Сюжет малооригинальный, построенный на мотивах соблазна, соперничества, ревности и кровавой развязки.

Действие, разыгрываемое в балетной сцене “Болеро”, происходит в одном из андалузских трактиров. Заведение полно цыган. Они спокойны и даже флегматичны. Но вот до их слуха доносится мелодия, звучащая все громче и настойчивее. Посетители как завороженные следят за женщиной, танцующей на столе. Танец, поначалу медленный, становится все быстрее и чувственнее, а поведение мужчин все более агрессивным: они подступают все ближе к танцовщице, но за нее вступается любовник. Танец закончен, и снова все спокойно.

По форме “Болеро” - оркестровые вариации на неизменную мелодию Равель провел интересный эксперимент: на протяжении всей пьесы он 18 раз повторил одну и ту же тему. Однако эта тема не остается монотонной, поскольку всякий раз ее исполняют разные инструменты. Напряженность звучания постоянно растет, достигая финального апофеоза. Все проведения темы сопровождает неизменный ритмический рисунок малого барабана, производящего просто-таки гипнотическое действие. С. Прокофьев называл партитуру “Болеро” чудом композиторского мастерства и энциклопедией современной оркестровки.

Равель был человеком огромного обаяния, покоряющей простоты. При жизни личность и творчество композитора получили заслуженное признание. Равель был почетным доктором Оксфордского университета. При жизни композитора улица, на которой он родился, была переименована в бульвар Мориса Равеля. В годы первой мировой войны Равель сам настоял на своем зачислении в ряды действующей армии и стал шофером санитарной машины.

Последние годы жизни мастера были трагическими годами непрерывных страданий. Полученная в результате автомобильной катастрофы на фронте травма обернулась неизлечимой опухолью мозга.

Все произведения Равеля написаны в самобытной манере. Им присущи острая новизна гармонических и оркестровых красок, ярко выраженный темперамент и строгая логика композиционного построения. Сочинения Равеля обладают свойством, присущим классически совершенным произведениям: с каждым прослушиванием они нравятся и восхищают все больше и больше.

Равель не занимался педагогической практикой и не оставил после себя композиторской школы, однако его творчество оказало огромное влияние на всю музыкальную культуру XX века.

* * *

В годы, предшествовавшие первой мировой войне, утонченно-изысканные произведения музыкальных импрессионистов потеряли непосредственную связь с объективной деятельностью, постепенно становясь сочинительством из “башни из слоновой кости”.

В начале XX века, параллельно французскому импрессионизму, в Австрии и Германии формируется новое художественное течение, проявившееся раньше и полнее всего в литературе, - экспрессионизм. Один из его идеологов писал: “Никогда еще не было такого времени, потрясенного таким ужасом... Никогда мир не был так мертвенно нем. Никогда радость не была так далека и свобода так мертва. Время становится воплем нужды. Искусство посылает свой вопль в темноту, оно вопиет о помощи, оно зовет дух...”

Тяжелейшие социальные условия жизни в немецкоязычных странах того времени были объективным условием, приведшим к экспрессионизму. Художники чувствовали неизбежный крах старого мира. Они понимали, что прошлое никогда не вернется. Чистые, светлые чувства ушли далеко в прошлое. Их место заняли бредовые, навязчивые идеи, болезненная эротика, страх, смутная тревога и отчаяние. Романтическая печаль оборачивается обреченностью, депрессией, отчаяние превращается в истерию, юмор - в болезненный гротеск и сарказм. Если фраза “наш век болен, мы больны вместе с ним” для романтика - лишь поза, то для экспрессиониста - горькая правда.

Экспрессионизм проповедовал свои идеи в искусстве почти исключительно на немецком языке. Именно в Австрии и Германии в предвоенные годы царил милитаризм в сочетании с бюрократией и мещанским самодовольством. Именно там “простые люди” ощущали себя полным ничтожеством, но не могли с этим согласиться. Композиторы искали и находили музыкальные средства, способные звуками передает этот кричащий душевный надлом.

Истоки музыкального экспрессионизма исследователи видят в позднем романтизме, в последних сочинениях Р. Вагнера, Г. Малера, Р. Штрауса.

В литературе экспрессионизм ярче всего проявил себя в творчестве Франца Кафки (1883-1924).

В экспрессионистских произведениях нет мелодии в обычном смысле слова, гармония резко диссонансная, типичны постоянные перепады звучностей от полушепота до душераздирающего пронзительного форте. Композиторы-экспрессионисты нагнетали напряженность звучания и не давали ее разрешения.

Ярчайшим проявлением музыкального экспрессионизма справедливо признают творчество композиторов Новой Венской школы А. Шенберга, А. Берга и А. Веберна. Это название акцентирует претензию на сопоставимость их творчества с творчеством Гайдна, Моцарта и Бетховена - композиторов “старой” венской классической школы. Однако современная музыкальная практика доказывает обратное. Нововенцы полностью отказались в своем творчестве от народно-песенных, национальных истоков. Их музыка конструировалась по ими же придуманным правилам. Эта новая техника композиции называлась сериальностью и додекафонией.

Искусство композиторов Новой Венской школы трудно пережить или прочувствовать; его можно понять лишь разумом. В этом его слабость и жизненная трагедия авторов, вполне отдававших себе отчет в том, что в обозримой перспективе их произведения вряд ли будут популярны.

Наиболее известными произведениями этого стиля являются симфонический секстет “Ночь просветленная”, монодрама “Ожидание” А. Шенберга, Скрипичный концерт и опера А. Берга “Воццек”.

Опера написана по одноименной пьесе немецкого драматурга Г. Бюхнера. Ее герой - солдат Воццек, денщик Капитана. Воццек - одинокий и униженный, а потому озлобленный человек; над ним издевается Капитан, насмехаются солдаты в казарме. Последней каплей в страданиях становится измена его жены Мари, не устоявшей перед ухаживаниями Тамбурмажора. Ослепленный ревностью и насмешками, Воццек убивает Мари, и, лишившись рассудка, погибает сам. Этот сюжет можно назвать типичным для экспрессионизма.

Додекафония и сериальность подготовили путь, ведущий к музыкальному абстракционизму, представители которого, решив расширить звуковую палитру музыкального искусства, стали использовать в своих сочинениях звуки окружающие человека в быту: горящий примус, пишущая машинка, капли, падающие в пустой таз, отбойный молоток, скрежетание железа по стеклу и т.п. Эти композиции сочиняются в студиях звукозаписи на магнитофонных пленках и соединяются в различных комбинациях.

Произведения, основанные на использовании бытовых шумов, получили название - конкретной музыки. Нотами такая “музыка” не записывается.

* * *

Антиподом экспрессионизма в XX веке можно считать возникший чуть позже в западноевропейской музыке неоклассицизм. Его представители противопоставляли экзальтированному экспрессионизму ясность и логичность замысла, сдержанность в формах выражения. Свой идеал неоклассицисты видели в гармоническом равновесии всех элементов целого, свойственном классическому искусству ХVIII века. Отсюда происходит и название.

Однако изменившиеся социально-экономические условия жизни европейского общества в период между двумя мировыми войнами не позволяли художнику обрести былую гармонию жизни и творчества и в то же время остаться художником-реалистом, не порывающим, как “нововенцы”, связи с реальным миром.

К представителям этого направления относят композиторов И. Стравинского (1882-1971), П. Хиндемита (1895-1963), отчасти С. Прокофьева и М. Равеля.

Юность русского композитора Стравинского прошла в полном соответствии со стандартной формулой: родился в благополучной семье, был снаряжен на факультет права, затем увлекся музыкой до такой степени, что бросил юриспруденцию и стал композитором. Стравинский – ученик И.А. Римского-Корсакова.

Мировую известность Стравинский завоевал своей балетной музыкой. Знаменитый русский продюссер Сергей Дягилев, основавший Русские сезоны в Париже заказал Стравинскому музыку к балету по мотивам сказки о Жар-птице. Партитура Стравинского стала вехой в истории музыки. До премьеры в Париже никто из публики не слышал таких сложных ритмов и настолько странных поразительных диссонирующих гармоний. Балет стал хитом сезона. Карьера Стравинского в Париже была обеспечена.

Следующим балетом был “Петрушка”. Музыка балета была еще более диссонантной. Хореографом этих балетов был Фокин.

В 1913 году 31-летний Стравинский сочинил еще один шедевр - балет “Весна священная”. Подзаголовок к этому балету объяснял все: “Сцены из жизни языческой Руси”. Стравинский писал: “В моем воображении я представил торжественный языческий ритуал; мудрых стариков, которые сидят в кругу и наблюдают за юной девушкой, двигающейся в своем предсмертном танце. Они приносят ее в жертву, чтобы умиротворить Бога Весны. Постановку балета осуществил Вацлав Нижинский.

Премьера балета вылилась в грандиозный скандал. Сам Стравинский незаметно покинул театр через окно гардеробной. Год спустя музыка балета в концертном исполнении вызвала неимоверный восторг у публики.

После Октябрьской революции Стравинский покинул Россию и окончательно обосновался в США.

В поздний период своего творчества Стравинский много экспериментировал, сочиняя музыку в разных стилях, включая и неоклассический. Музыка этого стиля была возвратом к равновесию и сдержанности классики, за исключением различных диссонансов. Тем не менее Стравинский до конца своей жизни на создал ничего более значительного в музыкальном отношении, чем балет “Весна священная”.

Скончался композитор в Нью-Йорке в 1971 году.

Подробности жизни и творчества композитора нашли свое отражение в его автобиографических книгах “Хроника моей музыкальной жизни” и “Диалоги. воспоминания”, изданные в русском переводе.

Неоклассицисты - сторонники “чистого” музыкального искусства, лишенного открытой эмоциональности. Они считали, что музыка - лишь искусство звуков, и только, а не искусство интонационного выражения эмоций, какими бы они ни были. Они полагали, что музыкальное произведение можно “вычислить”, “скомпоновать”, но не выстрадать. Именно поэтому они искали образцы для подражания в доромантической эпохе.

Новые “классики” сочиняли свои произведения в старинном стиле, заимствуя старые приемы композиции и даже отдельные музыкальные темы прошлого. Так, например, балет И. Стравинского “Пульчинелла” сочинен на темы Дж. Пёрголези, балет “Поцелуй феи” - на темы П. Чайковского. Разумеется, это не плагиат и даже не “ремиксы”. Рука нового мастера узнаваема в каждом такте партитуры. Обращение к художественному наследию прошлого продиктовано, в первую очередь, стремлением не потерять почву под ногами, заземлить собственный метод на художественно полноценную проверенную временем основу. Сочинения композиторов прошлого были для них не столько образцами для подражания, сколько “моделями”.

Для современников творчество неоклассицистов было своего рода противоядием от крайностей экспрессионизма.

Новые классики, как правило, были людьми, весьма деловыми и благополучными в жизни, не желающими обнажать свое сердце и душу перед “всеми”, осознающими дистанцию между собою и публикой. Они хотели быть музыкальными богами, гражданами мира. Они комфортно жили, модно одевались. Их вовсе не интересовали душевные терзания плебеев. Музыка неоклассицистов сочинялась для художественной элиты. По мнению авторов, новое искусство должно быть свободно от личных эмоций, от стремления заражать публику чувством. Новая музыка должна стать предметом чисто интеллектуального созерцания. Некоторые исследователи назвали эту тенденцию “бегством от человеческой личности”.

В искусствознании второй половины XX века утвердился термин авангардизм. К авангардизму стали причислять различные течения современного искусства, отличительной чертой которых является разрыв с традициями искусства прошлого, поиск новых выразительных средств и форм, превращающийся порой в самоцель.