Великие музыканты мира

Мы начинаем с рассказа о Бахе не потому, что до Баха не было известных композиторов. Они были в разных странах и в XVI, и в XVIII веках. Но большинство композиторов не выходило за рамки церковной музыки. И.С.Бах оказался гигантом в музыке, настолько ушел вперед от своих современников, что вот уже два с лишним столетия его музыка служит источником вдохновения для крупнейших музыкантов.

Музыка Баха родилась в первой половине XVIII века, когда начался бурный расцвет профессиональной светской музыки, когда уже сложились такие музыкальные жанры, как опера, оратория, увертюра, сюита, соната и др. В XVII веке центром музыкальной культуры была Италия. Самым популярным жанром – итальянская опера.

В начале XVIII века немецкие композиторы Бах и Гендель дали миру музыку, которая была полной противоположностью итальянской, музыку глубоких раздумий, страстных чувств, теплой задушевности. Они открыли новые формы музыкальных произведений. Бах и Гендель создали самобытные, национальные мелодии.

В конце XVIII века сложилась другая национальная школа в Австрии. Гайдна и Моцарта называют «венскими классиками». С венской классической школой связано начало расцвета симфонической музыки. Рядом с «венскими классиками» – великан среди великанов – Бетховен.

XIХ век был веком расцвета национальных музыкальных школ во многих странах Европы. Россия дала миру Глинку, Чайковского, Мусоргского, Скрябина; Германия – Шумана, Брамса, Вагнера; Австрия Шуберта; Франция – Берлиоза, Италия – Россини, Верди; Чехия Сметану, Дворжака; Норвегия – Грига; Польша – Шопена, Монюшко; Венгрия – Листа, Эркеля...

Каждый из этих композиторов ярок и неповторим.

Итак, рассказы о композиторах начнем с Баха.

Очень давно, почти 400 лет назад, в одном из маленьких германских городов в Тюрингии жил булочник из крестьян, по имени Фейт Бах. Он был небогат, и была у него в жизни большая привязанность – музыка. Он никогда не расставался со своим любимым инструментом – цитрой. Эта страсть к музыке передавалась его сыновьям, внукам, правнукам. И почти все они стали музыкантами.

Через 200 лет в Тюрингии Бахов музыкантов было так много, что люди стали называть Бахами всех, кто был причастен к музыке.

В роду Бахов не было богачей и лентяев. Все они упорным трудом пробивали себе дорогу в жизнь.

Иоганн Себастьян Бах (1685 – 1750)

И.С. Бах родился в 1685 году в немецком городке Эйзенахе. Первые навыки игры на скрипке он получил от отца, скрипача и городского музыканта. Мальчик имел превосходный голос и пел в хоре. Никто не сомневался в его будущей профессии музыканта.

Девяти лет он остался сиротой, и его воспитателем стал старший брат, служивший церковным органистом в городе Ордруфе. Он определил мальчика в гимназию и продолжал обучать его музыке. Это был сухой, не чуткий человек. Такими же однообразными и скучными были и его занятия. Для музыкального мальчика это было мучительно. Поэтому еще в десятилетнем возрасте он стремился к самообразованию. Пятнадцати лет И.С. Бах решил начать самостоятельную жизнь. В 1703 году он закончил гимназию и получил право поступить в университет, но учиться не смог, так как нужно было добывать средства к существованию.

В течение всей жизни Бах несколько раз переезжал из города в город, меняя место работы, но почти везде было унизительное, зависимое положение. Несмотря на это, его никогда не покидало стремление к новым знаниям, к совершенствованию. Он постоянно изучал музыку не только немецких, но также и композиторов других стран. Не упускал случая и лично познакомиться с выдающимися музыкантами. Прекрасно познав музыку композиторов других стран, он не стал им слепо подражать. Обширные и глубокие знания помогали ему совершенствовать и отшлифовывать свое композиторское мастерство.

Талант Себастьяна Баха не ограничивался областью композиции. Он был лучшим среди своих современников исполнителем на органе и клавесине. И если как композитор Бах не получил признания при жизни, то в импровизациях за органом его мастерство было непревзойденным.

С 1708 года Бах жил в Веймаре и служил придворным музыкантом и городским органистом. Здесь он создал свои лучшие органные сочинения. Эти произведения значительны и глубоки по содержанию, грандиозны по своим масштабам, звучности, совершенны по мастерству.

В 1717 году Бах с семьей переезжает в Кетен. Здесь он, главным образом, пишет клавирную и оркестровую музыку. При дворе принца Кетенского не было органа, и в обязанности композитора входило руководить небольшим оркестром, аккомпанировать пению принца и развлекать его игрой на клавесине. Все свободное время Бах отдавал творчеству. Созданные в это время произведения для клавира представляют собой, после органных сочинений, вершину в его творчестве.

В наше время инвенции и сюиты Баха стали обязательными пьесами в программах музыкальных школ, училищ, консерваторий.

Из Кетена в 1723 году Бах переезжает в Лейпциг на должность кантора (руководителя хора) певческой школы при церкви святого Фомы.

На протяжении всей жизни он создавал произведения, поразительные по своему глубокому содержанию и внутреннему богатству.

В Лейпциге Бах создал свои лучшие – вокально-инструмен-тальные композиции.

Сочинения, созданные в лейпцигский период, по своему художественному значению представляют собой третью, самую высокую вершину творчества композитора.

Одно из величайших творений Баха, месса си минор сопоставима лишь со «Страстями по Матфею». Эти два произведения роднят неизмеримая глубина философской лирики, воплощенной через духовный текст, монументальность масштабов, огромная эмоциональная сила.

Концепция мессы типична для эпохи Баха, но в ее богатом художественном содержании каждое поколение находит нечто свое.

Сыновья Баха оказались талантливыми музыкантами и еще при жизни отца стали известными композиторами.

Последние годы жизни композитора были омрачены серьезной болезнью глаз. После неудачной операции Бах ослеп. Но и тогда он продолжал сочинять.

Большинству произведений Баха присущ полифонический склад. «Полифония» – греческое слово, в переводе на русский язык означает «многоголосие». Каждый голос в полифонической музыке мелодически самостоятелен, поэтому все голоса выразительны и напевны.

Музыка полифонического склада существовала задолго до Баха. Выдающимися мастерами полифонического искусства были итальянский композитор и органист Фрескобальди, немецкий композитор, органист и клавесинист Фробергер. Но в творчестве Баха полифония достигла наивысшего художественного совершенства. Полифонический склад легко проследить во многих инвенциях композитора. В первой инвенции до мажор и в восьмой инвенции фа мажор, несмотря на то, что она совсем иного рода. Позднее композитор сочинил еще пятнадцать пьес, но уже не в двух, а трехсловном изложении, назвав их «симфониями».

Полифоническое мастерство великого Баха вызывает удивление не только изобретательностью и разнообразием тематического развития, но и глубокой выразительностью музыки, основанной часто на развитии одной темы.

Кроме этого, Бах написал шесть «Французских» и – шесть «Английских» сюит, а также шесть партит, сходных по своему строению с сюитами.

В переводе с французского слово «сюита» означает «ряд», «последовательность». Во времена Баха сюита представляла собою музыкальное произведение, которое состояло из ряда самостоятельных пьестанцев.

Основу сюит составляли четыре танца: алеманда, куранта, сарабанда и жига. Между сарабандой и жигой обычно вставлялись дополнительные танцевальные пьесы: менуэт, гавот, бурре и другие. И, несмотря на самостоятельность каждой части, сюита воспринимается как единое музыкальное произведение. Умеренные и медленные танцы чередуются с быстрыми. Такая закономерность объединяет их в одно целое.

Среди клавирных произведений Баха огромную художественную ценность представляют 48 прелюдий и фуг. Например, прелюдия и фуга до минор. Ее отличает четкий и энергичный ритм, быстрый темп и единообразная фактура. Именно такой, непрерывно текучий, характер движения присущ прелюдиям полифонического склада.

Органных произведений композитор написал огромное количество. Среди них хоральные прелюдии, хоралы, фантазии, токкаты, прелюдии и фуги, сонаты, обработки концертов других композиторов.

Хоральных обработок Бах создал свыше 150. Хорал – это старинное духовное песнопение, основанное на народных немецких мелодиях. Исполнение народных напевов в церкви постепенно ослабило живость и яркость этих напевов. Баху удалось вернуть мелодиям первоначальную силу их выразительности.

Оркестровая музыка. С присущей ему пытливостью Бах следил за развитием оркестровых жанров своего времени, отдавая должное итальянским и французским мастерам. В оркестровой музыке композитора представлены и жанр концерта, зародившийся и развивавшийся в Италии, и жанр сюиты, любимый французскими композиторами. Конечно, оба эти жанра приобрели в трактовке Баха немецкие национальные черты, но вместе с тем в них тонко выражены традиции итальянской и французской музыки.

Так, все оркестровые сюиты начинаются с большой увертюры французского типа, состоящей из контрастных разделов. За ней следует ряд танцев, среди которых иногда именно французские (бурре, гавот, менуэт) оттесняют привычные четыре старинных танца (алеманду, куранту, сарабанду, жигу).

Результатом изучения опыта итальянской музыки явились «Бранденбургские концерты», созданные Бахом в Кетене. В них проявилось то предпочтение, которое Бах отдавал типам концертов Вивальди: трехчастной композиции concerto grosso и сольного концерта. В этом выразилось безошибочное художественное чутье композитора, его вкус к новому: музыка Вивальди открыла самые широкие перспективы, захватывала смелыми исканиями.

В «Бранденбургских концертах» Бах использовал самые важные общие принципы, сложившиеся у итальянских мастеров, но придал им облик немецкий и, что еще существеннее, баховский. Концерты написаны в 1721 году по заказу маркграфа Бранденбургского.

«Бранденбургские концерты» – сочинения типа concerto grosso. Однако трактовка этого жанра в разных концертах индивидуальна: в каждом имеется своя, отличная от остальных солирующая группа, или она вообще отсутствует (в двух концертах из шести). По традиции немецкой музыки Бах сочетает в группе солистов струнные и духовые инструменты. Различие составов солистов придает каждому из шести «Бранденбургских концертов» особый, неповторимый тембровый облик: то более светлый, то затемненный, то легкий, прозрачный, то густой и плотный. Одни концерты звучат более архаично, другие – более ново.

В этих концертах Бах опирается в основном на новый для его эпохи тип трехчастного цикла. Исключения составляют первый четырехчастный и третий двухчастный концерты. Трехчастная композиция заключала в себе важные для того времени черты, неоднократный контраст сочетался в ней с законченностью целого.

Йозеф Гайдн (1732 – 1809)

Йозеф Гайдн – великий австрийский композитор. Подобно музыке глинки, Бетховена, Чайковского произведения Гайдна стали достоянием людейвсего мира. Гайдн прожил долгую жизнь, он был современником Моцарта, Бетховена, юного Шуберта. Им написано огромное количество – произведений: свыше 100 симфоний, более 70 струнных квартетов, 52 сонаты для фортепиано, свыше трех десятков опер и много другой музыки для различных инструментов. Из этого богатого наследия – лучшими произведениями оказались симфонии, квартеты и сонаты для фортепиано.

Гайдна называют «отцом» симфонии и квартета. До Гайдна немало было написано и сонат, и симфоний и квартетов. Но только в творчестве Гайдна эти жанры становятся классическими¹. В своей музыке Гайдн широко использовал народные мелодии. Его произведениям присущи – светлый, жизнеутверждающий характер, стройность и уравновешенность формы. Это и дало право называть музыку Гайдна классической. А поскольку жизнь Гайдна прошла близ Вены и в Вене, Гайдна называют венским классиком. Это – же право называться венскими классиками получили и два великих младших современника Гайдна – Моцарт и Бетховен.

Йозеф Гайдн родился в деревне Рорау, расположенной недалеко от столицы Австрии Вены. Отец его был простой ремесленник. В свободное от труда время – в домике Гайдна собирались любители музыки, чтобы попеть и потанцевать, а главное – послушать пение гостеприимного хозяина, который аккомпанировал себе на арфе.

Благодаря своим выдающимся музыкальным способностям – мальчик попал сначала в церковный хор небольшого городка Гайнбурга, а затем в хоровую капеллу при кафедральном (главном) соборе св. Стефана в Вене. Пение в хоре было для Гайдна очень хорошей, но единственной школой.

Когда у Гайдна стал ломаться голос и он не смог – больше петь – в хоре, его бесцеремонно уволили. Для юноши началась – самостоятельная жизнь, полная невзгод и лишений, а главное – непрерывного и упорного труда.

Если церковный хор был для Гайдне школой, то его последующая десятилетняя жизнь в Вене как бы горьковскими «университетами». Столько лет всех восхищавший певец очутился на улице, без денег.

Чтобы не умереть с голоду, юноша брался за любую работу музыканта: давал за гроши – уроки музыки, играл на скрипке на праздничных вечерах, а иногда и просто на больших дорогах. По заказу он сочинил несколько своих первых крупных произведений. Это музыкальная комедия с веселым названием «Новый хромой бес», квартеты (произведения для двух скрипок, альта и виолончели), симфонии. Но все эти заработки были случайными. Гайдн понимал: чтобы стать композитором, нужно много и упорно учиться. Поэтому, как бы трудно ему не приходилось, он учился и учился.

Под крышей, на холодном чердаке, где ютился Гайдн, на старом разбитом клавикорде он изучал произведения прославленных композиторов. А народные песни! Сколько он их переслушал, бродя днем и ночью по улицам Вены. В то время была богата песнями. Тут и там звучали самые различные народные напевы: австрийские, венгерские, чешские украинские, хорватские, тирольские. Поэтому не случайно произведения Гайдна пронизаны этими чудесными мелодиями, в большинстве своем веселыми и жизнерадостными. Таковы были условия жизни и работы молодого композитора. Таков был путь, пройдя который, Гайдн достиг мастерства.

В 1761 году молодой, но уже довольно известный в Вене композитор был приглашен богатым венским князем Эстергази руководить капеллой. Недалеко от Вены, в небольшом венгерском городке Эйзенштадте Гайдн провел тридцать лет в должности капельмейстера (дирижера). Одна за другой появлялись оперы, а также симфонии среди которых «Медведь», «Детская», «Школьный учитель».

Мастерство Гайдна с годами достигло совершенства. Его музыка неизменно вызывала восхищение многочисленных гостей Эстергази. Имя композитора стало широко известно и за пределами его родины – в Англии, Франции, России.

Несмотря на зависимое положение слуги, уйти со службы Гайдн не мог. В то время музыкант имел возможность работать только в придворных капеллах или руководить церковным хором. До Гайдна еще ни один композитор не решался на независимое существование. Не рискнул расстаться с постоянной работой и Гайдн.

В 1791 году, когда Гайдну было уже около 60 лет, умер старый князь Эстергази. Его наследник, не питавший большой любви к музыке, распустил капеллу. Но и ему было лестно, чтобы композитор, ставший известным, числился его капельмейстером. Это вынудило молодого Эстергази назначить Гайдну пенсию, достаточную для того, чтобы «его слуга» не поступал на новую службу.

Гайдн дал согласие на предложение поехать с концертами в Англию. Ново и необычно было все для Гайдна в Англии. Концерты, в которых он дирижировал своими произведениями, проходили с триумфальным успехом.

Гайдн дважды посетил Англию. За эти годы композитор написал свои знаменитые двенадцать «Лондонских симфоний». Талант его достиг наивысшего расцвета. Глубже и выразительнее зазвучала музыка, серьезнее стало содержание, богаче и разнообразнее краски оркестра.

«Лондонские симфонии» и оратории были вершиной творчества Гайдна. После ораторий он уже – почти ничего не написал. Слишком напряженно прошла жизнь. Силы его иссякли.

Последние годы композитор провел на окраине Вены, в маленьком домике. Тихое и уединенное жилище посещали почитатели таланта композитора. Беседы касались прошлого. Особенно любил вспоминать Гайдн свою молодость – тяжелую, трудовую, но полную смелых, настойчивых поисков.

Умер Гайдн в 1809 году и похоронен был в Вене. Впоследствии его останки перенесены в Эзейнштадт, где он провел так много лет своей жизни.

Симфоническое творчество. В творчестве Гайдна окончательно сформировался симфонический цикл. Симфония – произведение циклическое. Слово «цикл», «цикличность» означает многочастность произведения. Из нескольких частей состоят сонаты, симфонии, квартеты, квинтеты, концерты, трио. В отличие от небольших пьес, песен, танцев, выражающих обычно какое-то одно настроение, циклическое произведение передает различные чувства, мысли и настроения.

Слово «симфония» древнегреческого происхождения, – оно означает, как уже упоминалось, «созвучие», «согласие». Долгое время симфонией называли любое благозвучное сочетание звуков.

Позднее это слово приобретало различное значения. Так симфонией называли и вступление к оркестровой танцевальной сюите, и оркестровые вступления в операх. В самостоятельное произведение симфония превратилась в XVIII веке. Наиболее важная роль в формировании этого жанра принадлежит чешским композиторам так называемой «мангемской школы» – музыкантам симфонического оркестра в немецком городе Мангейме.

Длительный путь развития прошел жанр симфонии в творчестве Гайдна. И лишь его зрелые симфонии получили наиболее совершенную, классическую форму и окончательно оформились в четырехчастный цикл с определенной последовательностью частей.

Первая часть симфонии идет в быстром темпе и звучит чаще всего энергично, взволновано. Вторая часть – медленная. Ее музыка передает лирическое настроение человека. То светлое и умиротворенное, то печальное или сосредоточенное. Третья часть – менуэт. Уже самое название говорит о ее танцевальном, оживленном характере. Менуэт – один из самых любимых танцев эпохи Гайдна. Введение в симфоническую музыку свидетельствует о его популярности. Четвертая часть, или финал, последняя, заключительная часть произведения. Здесь вновь возвращается быстрый темп. Очень часто финал имеет танцевальный характер и передает ликующее праздничное настроение.

Так строил свои симфонии Гайдн, а также и его великие современники – Моцарт и Бетховен. Композиторы следующих поколений продолжали развивать традиции классической симфонии. Расширяя и обогащая ее содержание и форму.

Симфония рассчитана на массовую аудиторию. Это вызвано большим масштабом произведения, силой звучания, т.к. исполнителем симфонии является симфонический оркестр.

Состав симфонического оркестра также установился в творчестве Гайдна. Его основу составляют четыре группы инструментов.

В струнную ведущую группу оркестра входят скрипки, альты, виолончели и контрабасы.

Деревянную группу составляют флейты, гобои, кларнеты, фаготы.

Группа медных духовых инструментов у Гайдна состоит из валторн и труб.

Из ударных инструментов Гайдн использовал в оркестре только литавры.

В творчестве последующих композиторов состав симфонического оркестра значительно расширяется за счет, главным образом, медных духовых инструментов.

Симфония ми-бемоль мажор – одна из двенадцати «Лондонских симфоний». Она начинается с тремоло литавр, поэтому вся симфония получила название «Симфонии с тремоло литавр».

Симфония имеет светлый жизнерадостный характер. Ее темы близки народным немецко-австрийским и хорватским мелодиям.

В симфонии четыре части. Первая часть – быстрая, Allegro con spirito (быстро с воодушевлением). Вторая часть медленная, Andante (неторопливо). Третья часть – оживленный менуэт. Четвертая часть – финал, Allegro con spirito.

У Гайдна установилась не только последовательность частей симфонии. Определились также характер и строение (или форма) каждой части.

Форма первой части в симфониях получило название сонатного аллегро (поскольку она обычно пишется в темпе аллегро) или сонатной формы. Первая часть симфонии ми-бемоль мажор начинается с медленного вступления. После тремоло литавр, напоминающего отдаленный раскат грома, звучит приглушенная. Несколько таинственная тема.

Вступление оттеняет веселую и подвижную музыку Allegro, в основе которого лежат две разные по характеру темы. Их изложение, а затем развитие и повторение составляют содержание первой части.

Первая тема (главная партия) имеет танцевальный характер.

Вторая тема, или тема побочной партии, тоже танцевальная. Для симфонии Гайдна не типично резкое различие между главной и побочной партиями. В седьмой «Лондонской симфонии» ре мажор главная и побочная партии даже одинаковы. Побочная партия в симфонии ми-бемоль мажор отличается изяществом, легкостью звучания. Она изложена в иной тональности – си-бемоль мажор. Вальсовый аккомпанемент придает музыке большую мягкость, звучность, а звучность гобоя новую окраску.

Изложение двух различных по характеру тем составляет первый раздел сонатного аллегро, его экспозицию.

Второй раздел сонатного аллегро называется разработкой. Здесь развиваются обе темы экспозиции и тема вступления.

Третий раздел сонатного аллегро – реприза. В том же порядке, к и в экспозиции, следуют главная и побочная партии. Все темы в репризе звучат в основной тональности.

После быстрой и веселой, полной контрастов первой части, вторая часть Andante вносит ускорение. Это вариации на две темы. Вариациями называется такая форма произведения, где вначале звучит тема, а затем она повторяется несколько раз в измеренном (варьированном) виде. Вариации на две темы называются двойными вариациями.

Первая тема взята Гайдном из народной хорватской песни. Тема повествовательного характера, она звучит неторопливо и спокойно.

Вторая тема имеет маршевый бодрый, волевой характер.

Несмотря на различие между темами, их многое объединяет.

Затем следуют вариации, поочередно на первую и на вторую темы. Интересно, что вариации на минорную, распевную тему звучат все более напряженно, взволнованно, а вариации на маршевую – мажорную тему приобретают черты мягкости. Певучести. Таким образом, контраст, заложенный в темах, сглаживается. Особенно это заметно в коде, где энергичный мотив второй темы звучит плавно и легко.

В третьей части – менуэте – Гайдн сочетает изящество и гибкость, свойственные этому танцу, с подчеркнутым, чеканным ритмом – чертами, присущими его исполнению в народе.

Средняя часть, трио, построена на арпеджированных пассажах. Образующих ровное и непрерывное движение. Трио звучит очень тихо, мягко и плавно.

Финал возвращает нас празднично-танцевальному настроению первой части. Но здесь уже нет тех контрастов. Которые вызывали напряженность музыкального развития в начале симфонии.

Основу финала составляет быстрая танцевальная мелодия близкая народной хорватской песне. Мелодия звучит у струнной группы оркестра на фоне ходов валторн, напоминающих призывные звуки лесного охотничьего рога (отсюда и название валторны: Waldhorn, что по-немецки означает «лесной рог»).

Такова симфония Гайдна «с тремоло литавр». Все четыре части симфонии тесно скреплены между собою единым праздничным настроением музыки, основу которой составляют танцевальные мелодии народного склада.