Людвиг Ван Бетховен (1770 – 1827)

Более двухсот лет прошло с тех пор, как родился великий немецкий композитор Людвиг Ван Бетховен. Могучий расцвет бетховенского гения совпал с концом XVIII (французская революция) – началом XIX столетия. В творчестве Бетховена классическая музыка достигла своей вершины. Он сумел показать в своей музыке, что творцом преобразований является народ. Впервые в музыке с такой силой были выражены героические стремления народа.

Бетховен родился в небольшом городке Бонне, в музыкальной семье. Музыке Бетховена обучал отец, нечуткий, жестокий и черствый человек. Слава Моцарта не давала покоя отцу.

В восемь лет мальчик дал первый концерт в Кельне, затем в других городах. Развлечения отца требовали денег, поэтому мальчик в десять лет вынужден был оставить школу и поступить на работу в придворную капеллу в качестве органиста. Измученная лишениями и невзгодами мать заболела и умерла.

В 1782 году произошло счастливое событие в жизни Людвига. Он познакомился с Христианом Нефе. Прекрасный педагог, композитор и органист сразу распознал в мальчике замечательного музыканта, сумел понять своеобразие его таланта. Талант композитора, наконец, получил должную поддержку. По совету Нефе Людвиг много читал, изучал языки.

Окрепнув, как композитор и пианист, Бетховен в 1787 году едет в Вену, чтобы встретиться с Моцартом, услышать его советы. Моцарт был поражен смелостью и богатством фантазии юноши, необычайной манерой исполнения, бурной, порывистой. Он воскликнул, обращаясь к присутствующим: «Обратите внимание на него! Он всех заставит о себе говорить!»

После смерти матери юноша вынужден был принять на себя заботы о семье. Людвиг стал служить в оперном театре. Начались суровые будни, тяжелая, полная труда и лишений юность. В редкие минуты отдыха он бродил по живописным окрестностям Бонна. Красота лесов, долин, тихих берегов Рейна вызывала у него слезы восторга.

В эти годы складываются его взгляды на жизнь, отношение к людям. Большую роль сыграли занятия в университете. Как раз в это время (1789 год) во Франции свершилась революция. Высокие стремления восставшего народа нашли в душе Бетховена горячий отклик. Заветам революции он остался верен всю жизнь. Он был полон сил и смелых замыслов. Энергия его ищет выхода в новых сочинениях, в концертной деятельности.

Встреча с Гайдном укрепила в нем решение ехать в Вену учиться. Двадцатилетним юношей в 1792 году композитор переехал в Вену, где жил до конца своих дней.

В то время Вена была одним из наиболее крупных музыкальных центров не только Австрии, но и всей Европы.

Вскоре имя Бетховена получило известность. Сначала как пианиста, затем как композитора. Бурная, стремительная и порывистая музыка «Патетической» и «Лунной» сонат, грандиозная сила и мощь «Героической симфонии» говорили о каких-то новых чувствах, новых замыслах, порой оставшихся еще непонятными, но потрясавшими и покорявшими слушателей. Имя Бетховена встало в один ряд с венскими классиками – Гайдном и Моцартом.

Внешний облик Бетховена (без парика, с гривой густых черных волос, с упрямо сдвинутыми бровями и сжатыми губами) выделял его среди постоянных посетителей богатых гостиных, отличавшихся изысканно вежливыми манерами.

Бетховен часто был резок в обращении с богатыми вельможами, не переносил их, часто высокомерного или снисходительного, отношения к музыке, за которым скрывались невежество и ограниченность.

Бетховен был твердо уверен, что ум и трудолюбие выше знатности и богатства.

Но друзья композитора знали и другого Бетховена – веселого и отзывчивого. Подобно Моцарту, Бетховен часто терпел нужду и лишения.

Трагедией его жизни была глухота. Признаки болезни он почувствовал в 28 лет. Из борьбы со своим недугом композитор вышел еще более сильным. Он сказал: «Я схвачу судьбу за глотку и не позволю, чтобы она меня сокрушила».

Но болезнь заставила его сторониться и друзей, сделала замкнутым.

1802 год стал переломным в его творчестве, наиболее плодотворным. Приходит зрелость таланта, начинается бурный расцвет творчества.

Одна за другой следуют симфонии. Среди них – знаменитая «Героическая» (№ 3), грандиознейшая из сонат – «Аппассионата», прославленная «Крейцерова соната» для скрипки и фортепиано. В эти же годы были созданы фортепианные концерты, квартеты и, наконец, героическая опера «Фиделио».

Однако были произведения иного рода. Среди них «Пасторальная» симфония, соната для фортепиано «Аврора».

К Бетховену приходит всемирная известность и уважение. Он полон энергии, сил, радужных надежд. Лучшие годы!

Но неудачи приближались. Материальные затруднения становились с годами ощутимее. Сословные предрассудки общества не дали ему возможности создать семью. Графиня Тереза Брунсвик не стала его женой. Он глубоко страдал. А усилившаяся глухота делала его все более замкнутым и одиноким.

Бетховен стал писать значительно меньше. Это фортепианные сонаты, песни (цикл «К далекой возлюбленной»).

Но нужда, болезни, одиночество не сломили волю и мужество этого великого человека.

В 1824 году появляется «Торжественная месса» – хоровое произведение духовного содержания на латинском языке, а вслед за ней – грандиознейшее произведение, венец всего творчества – девятая (последняя) симфония.

И на склоне дней Бетховен остался верен заветам своей юности. В финале симфонии звучат слова из стихотворения Шиллера «К радости»:

Радость, юной жизни пламя!

Новых светлых дней залог.

Величественная, могучая музыка финала симфонии, напоминающая гимн, призывает народы всего мира к объединению, счастью и радости.

После тяжелой болезни печени великий композитор умер, когда возле него не было никого из родных. Похороны превратились в грандиозную манифестацию. Так еще при жизни его музыка покорила сердца людей.

«Патетическая соната» (№ 8) написана в 1798 году. «Патетическая» (от греческого слова «pathos» – «пафос») означает «с при поднятым, возвышенным настроением».

Это название относится ко всем трем частям сонаты, хотя «приподнятость» выражена в каждой части по-разному. Соната была встречена современниками как необычное, смелое произведение.

Первая часть написана в быстром темпе и напряженна по своему звучанию.

Вторая часть – глубокое размышление о чем-то серьезном и значительном. Эта часть удивительна по своим краскам, напоминающим звучание инструментов оркестра.

Третья часть – финал. Стремительная взволнованная музыка роднит ее с первой частью, но здесь нет мужественного, волевого напора.

Что же нового внес Бетховен в» Патетическую» по сравнению с сонатами Гайдна и Моцарта? Прежде всего, стал иным характер музыки, отразивший более глубокие, значительные мысли и переживания человека. Сопоставление резко контрастных тем, особенно в первой части. «Патетическая» имеет значительно больший объем, чем сонаты Гайдна и Моцарта, она дольше длится по времени.

Симфоническое творчество. Симфония – это самый серьезный и ответственный жанр оркестровой музыки. Бетховенские симфонии возникли на почве, подготовленной всем ходом развития инструментальной музыки XVIII века, особенно его непосредственными предшественниками – Гайдном и Моцартом.

Большая роль в развитии симфонии принадлежала опере, драматургия которой оказала существенное влияние на процесс драматизации симфонии.

Принципы оперной драматургии, примененные к симфонии, способствовали углублению контрастов и укрупнению общего плана симфонии.

Грань между симфоническим искусством Бетховена и симфонией XVIII века проведена, прежде всего, тематикой, идейным содержанием, характером музыкальных образов. Бетховен широко и свободно раздвигает границы своих симфоний. Так Allegro «Героической» почти в два раза превышает Allegro самой большой из симфоний Моцарта «Юпитер».

Высоким сознанием ответственности художника можно объяснить тот факт, что композитор до тридцати лет не решался писать симфонии. Теми же причинами, по-видимому, вызваны медлительность, суровая избирательность, напряжение, с которым он отделывал каждую тему. Любое симфоническое произведение Бетховена – плод долгого многолетнего труда: «Героическая» создавалась в течение полутора лет, «Пятую» Бетховен начал в 1805 и закончил в 1808 году, а работа над «Девятой симфонией» растянулась почти на десять лет.

Пятая симфония, до минoр. Идея пятой симфонии – это героическая борьба за счастье человека и человечества.

Предельно лаконично, как эпиграф, звучит основная тема с резко стучащим ритмом: «Так судьба стучится в дверь». Она воспринимается как символ зла, трагически вторгающегося в жизнь человека, как препятствие, требующее неимоверных усилий для преодоления.

Подобно оперному лейтмотиву, ритмическая фигура, образующая тему, проходит через все части симфонии, видоизменяясь по ходу развития.

Первая часть очень монолитна и собрана. Энергия, заложенная в грозных ударах темы, которыми начинается первая часть, направляет стремительный бег главной партии, в которой интонации лейтмотива приобретают мятежную взволнованность.

В первой части симфонии, как в первом акте драмы, раскрывается, но не исчерпывается острейший конфликт. Исход напряженной драматической борьбы еще не ясен.

Вторая часть – медленно-задумчивая. Две темы, на которых строятся вариации этой части, схожи с характером. Неторопливой поступью.

Третья часть – это последний подступ к вершине. Борьба за взятие ее становится острее, драматичнее. В новом варианте звучит знакомая тема судьбы, еще более властно и категорично. Внутренняя ритмическая структура усложнена, вместо прежнего унисона мотив гармонизован.

Серьезный перелом в этой сложной борьбе наступает в трио, которое вносит мужественно-радостный контраст. Здесь явственно проступает элемент танцевальности, тему ведут контрабасы и виолончели.

Четвертая часть – финал. Это праздничный – триумфальный марш. Здесь нет противопоставлений, контрастов. Все темы характеризуют высочайший героический подъем.

Перед репризой еще раз появляется четырехзвучный ритмический мотив: воспоминание о прошлом оттеняет торжествующую радость настоящего.

Девятая симфония – одно из самых выдающихся творений в истории мировой музыкальной культуры. По величию идеи и глубине ее содержания, по широте замыслов и мощной динамике музыкальных образов девятая симфония превосходит все созданное самим же Бетховеном.

В этой симфонии композитор ставит центральную для своего творчества жизненно важную проблему: человек и бытие. Эта проблема ясно определялась в Третьей и Пятой симфониях, но в девятой она приобретает всечеловеческий, вселенский характер.

В область чисто инструментальной музыки Бетховен вводит звучание человеческих голосов. Это открытие не раз использовали композиторы XIX и ХХ веков.

В девятой симфонии композитор по-новому разрешает проблему тематического объединения цикла. Он углубляет интонационные связи между частями. В финале повторяются все темы предыдущих частей. В нем Бетховен использует текст «Оды к радости» Ф. Шиллера. Увлечение «Одой» композитор пронес через всю свою творческую жизнь. Еще в Бонне, в 1792 году он намеревался положить на музыку весь текст Шиллера целиком. Но позже Бетховен изменил план шиллеровского произведения, отобрав нужные строки. Призыв «Обнимитесь миллионы!» из мощного движения разрастается в грандиозный апофеоз, которым увенчалась девятая симфония.

Радость, пламя неземное,

Райский дух, слетевший к нам,

Опьяненные тобою,

Мы вошли в твой светлый храм.

Ты сближаешь без усилья

Всех разрозненных враждой,

Там, где ты раскинешь крылья,

Люди – братья меж собой.

Франц Шуберт (1797 – 1828)

Франц Шуберт родился 31 января 1797 году в одном из поместий Вены. Отец, школьный учитель, был человеком богобоязненным, трудолюбивым. Старшие братья пошли по стопам отца.

В доме часто звучала музыка – во время домашних музицирований исполняли симфонии Гайдна, Моцарта, переложенные для камерного состава.

Первыми учителями Франца были отец, который учил его играть на скрипке, и брат Игнац, преподававший ему фортепиано. С детства мальчик поражал окружение своими музыкальными успехами.

В 1808 году одиннадцатилетнего Шуберта, прошедшего по конкурсу, зачислили в конвикт школу-интернат, где особо одаренных детей бедных родителей обучали бесплатно.

Сразу после поступления в конвикт Шуберта зачислили в ученический оркестр. Сначала он исполнял партию второй скрипки, но вскоре его перевели на партию первой, поручая замещать дирижера.

Посещение театра, знакомство с оперными произведениями приносит массу новых впечатлений. Шуберт много сочиняет. Главным затруднением была нехватка нотной бумаги. Ему приходилось сначала разлиновывать обычные листы, да и на них не всегда хватало денег. Музыка стала преобладать над всеми другими интересами. Внимательный и прилежный на первых порах, он запускает школьные занятия, успеваемость и оценки, особенно по математике, становятся все хуже. Это очень тревожит отца, и он запрещает сыну приходить домой в каникулярные дни, даже к горячо любимой матери, которая была при смерти. Когда конфликт был разрешен, матери уже не было. Но никакие угрозы отца не действовали. Несмотря на то, что в конвикте Шуберт вел полуголодное существование, он не прекращал своих занятий. В 1812 году с молодым композитором стал заниматься первый маэстро Венской императорско-королевской капеллы Сальери. В эти годы происходит творческое формирование Шуберта. К 1810 году относится появление первого крупного произведения Фантазии для фортепиано в четыре руки. Затем последовало большое количество других сочинений для фортепиано, инструментальных ансамблей, Первая симфония Ddur.

Опасаясь исключения, Шуберт сам осенью 1813 года ушел из конвикта. Чтобы быть допущенным к работе учителя, необходимо было завершить образование и молодой композитор поступает в школу. По окончании ее в 1814 году Шуберт работает помощником учителя в школе отца. Ни размолвки с отцом, ни ненавистная работа не в состоянии приостановить стремление композитора сочинять. Среди большого количества песен, которые он пишет целыми сериями в ранней молодости, есть такие шедевры, как «Гретхен за прялкой», «Лесной царь», «Форель», «Скиталец», «Смерть и девушка».

В 19 лет им написаны пять симфоний. Несмотря на частные уроки, которые он давал, и обремененность службой, Шуберт в течение 1815 года написал 144 песни, четыре зингшпиля, две мессы, две симфонии, две сонаты для фортепиано, струнный квартет и другие произведения.

В это же время композитор знакомится с девушкой по имени Тереза Гроб. В доме ее родителей часто собиралась молодежь и музицировала. Шуберт написал много произведений, которые Тереза, обладательница красивого сопрано, исполняла. Но любящим друг друга молодым людям не суждено было остаться вместе. По настоянию родителей Тереза вышла замуж за состоятельного булочника.

В начале 1817 года Шуберт знакомится с известным оперным певцом того времени Михаэлем Фоглем. Сначала тот скептически относился к творению молодого композитора, но вскоре сделался страстным поклонником и неутомимым пропагандистом шубертовских песен. Его авторитет и высокая художественность исполняемых им шубертовских песен открыли композитору доступ в многочисленные музыкальные салоны Вены, его имя становится достаточно известным.

В 1818 году Шуберт едет в Венгрию, где несколько месяцев живет в поместье графа Эстергази в качестве учителя музыки. По возвращении из Венгрии композитор оставляет работу в школе и дом отца. Он полностью отдает себя музыке. С огромным воодушевлением Шуберт создает новые песни, оперы, симфонии, сонаты.

При посредстве Фогля в театре Кернтнертор была поставлена опера «Братья близнецы». Это была первая публичная постановка. Несмотря на положительную оценку прессы, после шести представлений опера была снята с репертуара. Та же судьба постигла все шубертовские оперы.

Песни же Шуберта с каждым концертом приобретали все большее число приверженцев. Но на все попытки опубликовать сборники издательства отвечали отказом. Первое издание шубертовского сборника вышло в 1821 году на средства почитателей и друзей композитора.

С 1822-1823 годов Шуберта печатают уже более охотно. Но по-прежнему интерес возникает к песням и небольшим фортепианным пьесам. Крупные инструментальные произведения остаются в полной неизвестности. Такое положение существовало при жизни Шуберта и оставалось таким долгое время после его смерти.

Материальная сторона жизни композитора по-прежнему зависела от случайного заработка. Известному уже не только в Вене, но и за пределами Австрии композитору часто случалось бывать совсем без денег. А Шуберт продолжает работать с одержимостью, отдается творчеству всем существом.

Чтобы как-то улучшить свое благосостояние, композитор перебарывает себя и весной 1826 года подает прошение на имя австрийского императора с просьбой о представлении вакантной должности придворного вицекапельмейстера. Просьбу отклонили. Безрезультатной осталась и попытка получить место второго капельмейстера в театре Кернтнертор. И все же Шуберт остается, верен музыке.

Особенно он воспрянул духом, когда до него дошла весть, что Бетховену понравились его песни.

В 1828 году Шуберт был, наконец признан венской публикой. Но здоровье композитора ухудшилось, 19 ноября 1828 года он умер.

Следуя последней воле Шуберта, его похоронили на том же кладбище, где за год до него был погребен Бетховен.

Вокальная лирика. Шубертом было написано более шестисот песен. Особенно он преклонялся перед поэзией Гете, а в последние годы жизни отдавал предпочтение Гейне. В поэтических текстах Шуберт искал отзвуки мыслей, чувств, переполнявших его самого. Особое внимание он обращал на музыкальность стиха.

Первый сборник из шестнадцати песен написан на стихи Гете. В него вошли «Гретхен за прялкой», «Полевая розочка», «Лесной царь», «Жалоба пастуха».

«Гретхен за прялкой» – это тонкий психологический этюд, раскрывающий внутренний мир любящей и страдающей женщины. В «Фаусте» Гете песня Гретхен – небольшой вставной эпизод, но Шуберт трактует его совсем по-другому. Он вкладывает в него исчерпывающую характеристику, показывает переходы и оттенки чувств. Сидя в своей комнате за прялкой, под ровное гудение веретена Гретхен предается своим мыслям. Она взволнована, предчувствует трагическую разлуку.

Вокальная партия – это как бы голос чувств Гретхен. Ее мелодия может служить классическим примером шубертовского методизма. Она легко запоминается, очень выразительна. Паузы подобны вздохам.

Партия фортепиано носит изобразительный характер, воссоздает непрерывное жужжание веретена.

В этой песне Шуберт достигает полного слияния поэтического образа с динамикой музыкального развития.

«Лесной царь». Шуберт снова обращается к поэзии Гете, но на этот раз его привлекает баллада о «Лесном царе». Как жанр, баллада – это развернутое эпическое полотно, в котором повествование о давно прошедших событиях переходит в драматический показ. Сюжеты баллад легендарны, иногда навеяны отдаленными историческими событиями. Развитие действия часто происходит на мрачно-фантастическом фоне, в необычных условиях. «Лесной царь» – свободная композиция, музыкальное строение которой подчинено развертыванию сюжета. Начинается она большим фортепианным вступлением. Затем поет рассказчик, который вводит нас в мир событий:

Кто скачет, кто мчится под хладною мглой?

Ездок запоздалый, с ним сын молодой.

Действующие лица – рассказчик, отец, ребенок – интонационно близки друг другу. Драматическим репликам отца и ребенка противопоставляется манящая, завлекающая речь лесного царя.

На вопрос отца: «Дитя, что ко мне ты так робко прильнул?»

Ребенок отвечает: «Родимый, лесной царь со мной говорит».

Мелодия лесного царя пронизана зовущими интонациями:

Дитя, оглянися, младенец, ко мне,

Веселого много в моей стороне.

Но неудавшиеся попытки завлечь ребенка сменяются угрозами:

Дитя, я пленился твоей красотой:

Неволей иль волей, а будешь ты мой...

Здесь развитие достигает максимального напряжения. Наступает трагическая развязка. Рассказчик произносит: «В руках его младенец был мертв!»

«Прекрасная мельничиха» – цикл на стихи Вильгельма Мюллера был написан в 1823 году. Его герой – скиталец, странник, он ищет в жизни счастье и любовь, но встречает непонимание. Странствуя по свету, молодой юноша нанимается работником на мельницу. Там он полюбил дочь хозяина, но его любовь была отвергнута – ему предпочли охотника. В тоске и горе юноша хочет броситься в светлые воды ручья.

Цикл обрамлен двумя песнями – «В путь» и «Колыбельная ручья», которые являются своеобразным вступлением и заключением.

Образ ручейка сопровождает подмастерье через весь цикл. Он верный друг и спутник. Его журчание, то веселое, то тревожное, отражает психологическое состояние самого героя.

В следующей песне «Куда» мельник-подмастерье рассказывает, что идет в неведомую даль.

Песня «Моя» – это кульминация радостных чувств. Она полна ликования и счастья взаимной любви:

Ручек, ты не журчи,

Колесо, ты не стучи...

«Любопытство» – лирическое отступление в праздничном настроении, оно вносит эмоциональный контраст:

Ни звезды, ни цветочки

Не спрашиваю я,

Они объяснить не могут,

Что так томит меня.

Фортепианная партия отражает все настроения, содержащиеся в поэтических образах.

В песне «Охотник» наступает перелом, вызванный появлением соперника. Фортепианное сопровождение, изображающее стук копыт, звуки охотничьего рога, вызывает ощущение тревоги. Смутные догадки, подозрения подтверждаются: у мельника есть соперник храбрый охотник:

Что ищет охотник

Над нашим ручьем?

Эй, лучше останься

В лесу ты своем.

В песнях «Любимый цвет», «Злой цвет» и «Засохшие цветы» душевные терзания все более усиливаются.

«Любимый цвет» настраивает на печальный лад. В ней впервые высказывается мысль о смерти, появляется чувство подавленности:

В лесу меня заройте,

Зеленым мхом покройте,

Ей мил зеленый цвет.

Песня «Мельник и ручей» построена в виде диалога. Отвергнутый возлюбленный ищет и находит утешение у ручейка. На его печальные вопросы ручеек отвечает тихой просветленной речью:

Мельник: Где в страданьях сердце

Навеки замрет,

Там лилии нежной

Цветок растет...

Ручей: Но если страданья

Любовь победит,

То в небе, играя,

Звезда заблестит...

В последней песне, «Колыбельная у ручья», создан образ печальной умиротворенности и забвения, чему способствует монотонное ритмическое покачивание, мажорный лад. Но трагизма здесь нет, скорее меланхолия и тихая печаль от пережитого горя и непонимания.

Фридерик Шопен (1810 – 1849)

Фридерик Шопен – великий польский композитор. Подобно Моцарту и Бетховену, он прославился и как гениальный пианист. И в той и другой области он обогатил музыку новым содержанием и образами, раскрыл ее новые, неизвестные до того времени выразительные возможности, ввел новый прием пианистического исполнительства.

В отличие от многих предшественников и современников, Шопен сочинял почти исключительно для фортепиано. Им написаны несколько камерных сочинений: одно трио, соната для виолончели, около 20 песен. Но в области фортепианной музыки им создано много яркого и нового.

Необычно сложилась жизнь Шопена. Поляк по происхождению, горячо любивший родину, он все свои зрелые годы вплоть до самой смерти провел на чужбине. Но, несмотря на это, подобно великому Глинке в русской музыке, Шопен стал основоположником польской классической музыки, создав на основе народных песен высокохудожественные неповторимо своеобразные произведения.

Музыка композитора была признана гениальной еще при жизни.

Родился Шопен в 1810 году недалеко от Варшавы. Мать его была полька, отец – француз (учитель в имении графа Скарбека). Маленький Фридерик рос в окружении музыки, так как родители любили музыку и играли на музыкальных инструментах.

В пять лет Фридерик исполнял уже несложные произведения, а в семь – состоялось его первое выступление в Варшаве. И имя Шопена скоро узнала вся Варшава. В это же время было издано одно из первых его сочинений полонез соль минор.

Одновременно с занятиями музыкой Шопен получил хорошее общее образование. Уже в детстве владел французским и немецким языками, интересовался историей, читал много художественной литературы. В шестнадцать лет успешно закончил лицей. Хорошо рисовал, особенно карикатуры, мимический талант был настолько ярким, что он мог бы стать актером. Уже в юные годы Шопену была присуща острота ума, наблюдательность и любознательность.

После посещения концерта Николо Паганини в сознании его остался неизгладимый след.

С детства у Шопена проявилась любовь к народной музыке. И с годами она стала неотъемлемой частью его творчества, сроднилась с его существом.

После окончания лицея Шопен поступил в Высшую школу музыки. Здесь его учителем был педагог и композитор Иосиф Эльснер, который очень скоро понял, что его ученик не просто талантлив, а гениален. К этому времени Шопен уже был признан лучшим пианистом Польши. Достиг зрелости и его талант композитора.

В 1829-1830 годы были написаны два концерта для фортепиано с оркестром, а также одна из лучших песен Шопена «Желание» («Если б я солнышком на небе сияла»).

В 1830 году Шопен решается на длительное концертное путешествие. Он начал свои концерты с Вены.

В это время его настигает известие о том, что в Польше произошло восстание, и что оно жестоко подавлено. Шопена глубоко потрясло это известие, он в отчаянии. Свое горе, гнев и возмущение он излил в музыке. Так родилось одно из величайших его творений этюд до минор.

Осенью 1831 года он приезжает в Париж. Здесь он прожил до конца своей жизни. Но в своих привязанностях и в своем творчестве Шопен всегда оставался поляком. И даже сердце свое после смерти завещал отвезти на родину.

Шопен покорил Париж, как когда-то Вену покорили Моцарт и Бетховен. Подобно Листу, он был признан лучшим пианистом мира.

Музыка Шопена, как и его концертные выступления, вызывала всеобщее восхищение.

Но средств не хватало, и он вынужден был давать уроки музыки. Эта работа отнимала много времени и сил.

Расширялся круг его знакомых. В числе его друзей Лист, выдающийся французский композитор Берлиоз и художник Делакруа, немецкий поэт Гейне. Ради гостя из Польши он изменял строгий порядок рабочего дня и часами мог слушать рассказы о родине, о жизни родных, друзей.

Жизнь в Париже сложилась если не счастливо, то благополучно для творчества. Талант достиг вершины. Издание произведений уже не встречает преград.

Последние годы жизни были печальны. Ссора и разрыв с Жорж-Занд оставили его совсем одиноким. от этих жестоких ударов бострилась болезнь легких, которой он страдал с юных лет.

Средства его иссякали, и, чтобы поправить тяжелое материальное положение, он по приглашению английских друзей едет в Лондон, собрав последние силы, дает там концерты и уроки.

Восторженный прием радует его, вселяет бодрость, но сырой климат Англии быстро оказал губительное действие. Беспокойная жизнь начала утомлять его. По совету врачей он возвращается в Париж. Последним его произведением была мазурка фа минор.

Он умер на руках своей сестры Людовики, приехавшей из Польши по его просьбе.

Похороны были торжественными. Похоронен Шопен в Париже, а сердце, как он и завещал, было отправлено Польшу, где хранится до сих пор в костеле Св. Креста.

Фортепианная музыка. Мазурка – польский народный танец, танец очень живой, требующий от танцоров большой ловкости и изящества. Ритм мазурки изменчив. Чаще всего акцент падает на третью, последнюю долю такта.

Со временем мазурка стала одним из любимых танцев в среде польской аристократии. Здесь она приобрела черты бравурности и блеска.

Мазурки Шопена – это пьесы танцевального характера. Шопен расширил выразительные возможности мазурки, объединив в ней характерные черты трех старинных народных танцев: мазур, куявяк и оберек, распространенных в различных областях Польши.

Мазурки рассчитаны на концертное исполнение. Эти произведения очень разнообразны по характеру. Многие из них напоминают веселые деревенские танцы, и лишь некоторые выдержаны в характере блестящих бальных танцев. Особую группу составляют лирические мазурки, в которых композитор передает настроения, навеянные разлукой с родиной.

Мазурка до мажор – одна из наиболее ярких мазурок, которая воссоздает картину деревенского праздника. Подобно народным, мазурка состоит из ряда самостоятельных танцевальных мелодий. Музыка рисует картину праздника, общий деревенский танец. Общая пляска будто бы сменяется сольным номером, и, как принято в народных танцах, ведущий танцор показывает свое мастерство. Вслед за сольным номером звучит нежная, легкая, изящная музыка (танец девушек). И вот перед нами уже новая картина – «мельница», шутливое замешательство танцоров. Дальше возвращается основная тема мазурки, что придает произведению законченную форму.

Полонезы. Истоки полонезов Шопена восходят к танцу, издавна бытующему в городских кругах Польши. Но серьезность содержания, сила образного обобщения придают этому жанру смысл, далеко превосходящий его прямое назначение. Танец становится своеобразным символом Польши, ее истории, ее народа.

Если в мазурках тема родины и ее образы запечатлены композитором в жанровом или лирическом плане, то та же тема, взятая в историческом аспекте, получила воплощение в монументальных формах полонеза.

Масштабность этих пьес рождает усложненная трактовка простых танцевальных форм. Жанровой приметой всех произведений является трехдольность размера.

Полонез ля мажор овеян духом рыцарской доблести. Чеканный ритм, массивная фактура с гордо устремленным вверх мелодическим голосом, немногие яркие детали, вроде приседающей «унисонной» фигуры, сменяющей грузно передвигающиеся аккорды – все это вызывает в воображении внушительную картину парадного шествия.

Этюды. В начале XIX века к музыке большой эстрады предъявляются новые требования, которые порождают множество специальных разработок технических приемов. Появляются многочисленные сборники этюдов Черни, Клементи, Мошелеса, Крамера. Назначение этих сборников было чисто вспомогательным, тренировочным.

Шопен подходит к этой проблеме по-другому. Он объединяет техническую и художественную стороны. Именно содержательность и поэтичность музыкальных образов в этюдах Шопена вывела этот подсобный вид музыки на уровень большого искусства.

С Шопена этюд начинает свое летоисчисление в качестве самостоятельной и полноценной разновидности фортепианного творчества в малых формах.

Прелюдии. В музыке доклассического периода прелюдии отводилась скромная роль вступления к тому, что составляло суть: прелюдирование на органе перед пением хора, прелюдия к фуге, к сюите.

Шопен в корне изменил назначение и цель прелюдий, в них композитор умело применяет искусство миниатюры.

Каждая прелюдия – законченная пьеса, а в целом двадцать четыре прелюдии – это как бы собрание кратких музыкальных записей, отражающих внутренний мир художника, его мысли, мечты, настроения.

Более ста лет отделяют прелюдии Шопена от «Хорошо темперированного клавира» Баха, но именно баховские сборники оказались исходными для шопеновского цикла.

Двадцать четыре прелюдии Шопена так же, как и прелюдии и фуги Баха, охватывают весь круг мажорных и минорных тональностей, но располагает он их по квинтовому кругу.

К возрожденному Шопеном жанру прелюдии обращаются крупнейшие композиторы XIX и XX веков: Рахманинов, Лядов, Скрябин, Дебюсси.

Ноктюрн – характерный жанр романтической музыки. Само слово «ноктюрн» означает «ночной».

Приоритет в создании ноктюрна, как музыкального жанра, принадлежит Джону Фильду, англичанину по национальности, долго жившему в России. Шопен преобразил скромный по замыслу и пианизму фильдовский ноктюрн, вложив в свои произведения огромную силу лирического чувства. Обогащая внутреннее содержание музыкальных образов, драматизируя форму, Шопен не преступает границ естественных для малых форм камерной музыки.

Одухотворенный лиризм Шопена находит в ноктюрнах свои специфические средства выражения. Здесь проявляется его особая склонность к орнаментальности мелодического рисунка.

Вальс в качестве бытового танца получил в первые десятилетия 19 века широкое распространение во всех странах и городах Европы.

В высоком художественном творении вальс звучал уже в творчестве Шуберта, Вебера.

В русской музыке богатое и интересное развитие вальса особенно заметным становится с середины XIX века. Это «Вальс-фантазия» Глинки, вальсы Чайковского.

В творчестве Шопена вальс представляет сольную фортепианную пьесу. Его вальсы, подобно этюдам, перерастают в концертные пьесы, вдохновенные, изящные, в которых мастерски использован весь арсенал современной техники и виртуозного пианизма.